Museo delle Belle Arti Edouard Manet. "Olympia" di Edouard Manet dalla collezione del museo d'Orsay è stata portata al Museo Pushkin. Tu stesso puoi sentire come l'immagine "si trascina". Voglio stare di fronte a lei per molto tempo, senza correre da nessuna parte. Matisse ha detto: “Lo voglio

La mostra del celebre dipinto si terrà dal 19 aprile al 17 luglio 2016. “Olympia” lascerà le pareti del Museo d’Orsay a Parigi solo per la seconda volta da quando fu dipinto nel 1863

Il Museo statale di belle arti Pushkin
19 aprile - 17 luglio 2016
Edificio principale, Mosca, Volkhonka, 12

La mostra “Olympia” di Edouard Manet dalla collezione del Musee d'Orsay (Parigi) si apre al Museo il 19 aprile 2016. Forse il capolavoro più famoso di uno dei fondatori dell'impressionismo, dipinto da lui nel 1863 e solo una volta uscite dalle mura del Museo d'Orsay a Parigi, apparirà alla mostra circondato da tre opere della collezione del Museo statale di belle arti Pushkin - il dipinto “La regina (la moglie del re)” di Paul Gauguin (1895 ), il dipinto “La dama alla toilette” di Giulio Pippi, detto Romano (inizi 1520- x), e la scultura di Afrodite di Cnido di Prassitele (copia di epoca romana dall'originale del 350 aC circa).

Il punto di partenza per l’emergere di “Olympia” è stato il desiderio di Edouard Manet di ripensare la “formula” figurativa e plastica della “Venere di Urbino” di Tiziano nello spirito della sua epoca, cioè di scrivere una Venere moderna. “È nostro dovere”, sosteneva Manet, “estrarre dalla nostra epoca tutto ciò che ha da offrire, senza dimenticare ciò che è stato scoperto e trovato prima di noi”. Da questo punto di vista, il progetto di Olympia nel senso più generale è stato un tentativo di elevare la modernità ai più alti standard classici e, lungo il percorso, di acquisire una nuova comprensione di entrambi. Non si sa chi abbia avuto l'idea di ribattezzare Venus Olympia, ma il nome è rimasto. Dal punto di vista dei critici, che nelle loro recensioni distrussero letteralmente il quadro al Salon di Parigi del 1865, ne aggravarono la "indecenza", poiché quello era il nome di una delle eroine del romanzo (1848) e del dramma omonimo (1852) di Alexandre Dumas figlio de “La Signora delle Camelie”" Olympia è l'antagonista del personaggio principale, brillante, fredda, calcolatrice, che non crede nell'amore e incapace di darlo a nessuno. Nella Parigi del XIX secolo, questo nome fu per qualche tempo un nome comune per tutte le donne della sua professione. Ciò significa che “Olimpia” è “Venere la Cortigiana”.

L'eroina si adagia sulla superficie setosa di tessuti bianchi magistralmente dipinti; La vibrazione iridescente delle tonalità crea un effetto radioso che ricorda il bagliore perlescente all'interno di una conchiglia marina, la cui immagine è anche associata al tema della dea dell'amore. Ma Olimpia non ha la consapevolezza di sé di una dea a cui appartiene il mondo intero. Piuttosto, è come un fiore reciso: un'orchidea che adorna i suoi capelli, che sboccia per un breve periodo, per poi svanire presto. Il distacco abituale del suo sguardo pacifica la tensione interna, trasformandola in indifferenza. Il braccialetto, gli orecchini, il velluto con una pietra preziosa vogliono, come nella tela di Tiziano, sottolineare il momento della semi-svestizione e, quindi, dell'intimità nella nudità, e le pantofole - una vestita, l'altra sfilata dal piede e rivelando il punte delle dita dei piedi: risveglia nei deboli, come di sfuggita, una fitta di sensualità e lo spirito del boudoir.

Il ricorso alla “Venere di Urbino” e l’ulteriore interpretazione del carattere del personaggio costrinsero Manet a dialogare non solo con la pittura di Tiziano, ma anche con la lunga tradizione dell’esistenza di questo tema nell’intera cultura artistica europea. La costanza della presenza di una tale eroina nelle opere d'arte nel corso dei secoli è spiegata, in primo luogo, dal ruolo speciale del mito nelle belle arti in generale, e in secondo luogo, dal contenuto specifico della narrativa a lei associata, che contiene il comprensione di due valori strettamente correlati che occupano un posto importante nella sfera delle idee ideali dell'umanità. Sono Amore e Bellezza, incarnati nell'immagine di una bella donna.

Le origini di questo tema, rifratto nei capolavori di Tiziano, Velazquez, Goya, Manet e altri maestri, risalgono all'opera dell'antico scultore greco Prassitele. Le sue opere riflettevano quanto accaduto nell'arte greca nella seconda metà del IV secolo a.C. il passaggio dal predominio dell'ideale maschile eroico e volitivo che dominava negli alti classici del V secolo - in Policleto, Mirone Fidia, che conferiva tratti di titanismo e mascolinità anche alle divinità femminili (Era, Artemide, soprattutto Atena) - a uno femminile, dotato di tratti di intimità, lirismo e sogno. Prassitele divenne famoso per le sue immagini della dea dell'amore e della bellezza Afrodite, in particolare quella che commissionò agli abitanti dell'isola di Cnido intorno al 340-330 a.C. e per la quale posò per lui la leggendaria bellezza, etera (tradotto come “amica”, rappresentante dell'amore libero) Frine.

Dipinto dalla collezione del Museo Pushkin. A. S. Pushkin intitolato “La signora alla toilette” risale ai primi anni '20 del Cinquecento e precede cronologicamente il capolavoro di Tiziano, ma tappa dopo tappa appartiene a un periodo storico successivo, poiché è stato realizzato dall'artista Giulio Pippi, soprannominato Romano (Romano) ( 1499–1546), allievo di Raffaello, associato ad una generazione di maestri - eredi dei grandi geni del Rinascimento. L’opera di Giulio Romano rivela vicinanza al “Ritratto di giovane donna, o Fornarina” di Raffaello (1518-1519; Roma, Galleria Borghese). Come potete vedere, Romano segue da vicino la modella, ma rivela la figura della sua eroina in modo molto più audace, rendendola quasi completamente visibile. L’artista accentua appositamente la sua nudità con l’aiuto di un velo trasparente, che non tanto nasconde il fascino femminile della donna quanto la incoraggia a sforzare gli occhi per vederli. Ma il vero messaggio in entrambi i casi, sia di Raffaello che di Romano, è un tentativo, attraverso un genere secolare nato sulla base della realtà, attraverso il motivo della nudità femminile, di rivolgersi all'organico poetico del mito.

Dipinto del fondatore del simbolismo nella pittura europea, Paul Gauguin (1848–1903), dalla collezione del Museo Pushkin. A. S. Pushkin “Te Arii Vahine. Queen (King's Wife)" (1895), fu dipinto dall'artista durante il suo soggiorno a Tahiti. L'artista ha trovato la sua eroina della “famiglia reale” tra gli abitanti delle isole dell'Oceania, nel mondo degli antichi idoli e degli dei sconosciuti, in un'atmosfera piena degli spiriti degli antenati, tra la gente comune e le loro semplici attività: pesca, la raccolta dei frutti, la preghiera, la conversazione, il riposo sono i loro segni dell'essere. Nei residenti locali, l'artista scopre il sistema di proporzioni degli scultori greci. La bellezza locale è rappresentata da lui adagiato su un verde pendio; ripete con disinvoltura la posa e la sagoma di una Venere distesa (e di Olimpia, riproduzione della quale Gauguin portò con sé nel suo viaggio esotico), libera però da tutti gli attributi della civiltà europea: non un'etera, non una madre di un famiglia, ma la natura stessa, l'incarnazione della natura umana, enfatizzata in questo significato solo dalla volontà organizzatrice dell'artista.

• 28.06.2019 I media citano il direttore del Museo di Belle Arti Irbit, Valery Karpov, che ha detto: “Le ricerche presso l’Ermitage hanno confermato l’indiscutibile autenticità del dipinto”.
• 28.06.2019 La prossima stazione della nuova linea rosa Nekrasovskaya diventerà una delle più luminose della metropolitana di Mosca. L'architetto capo della città ha affermato che durante lo sviluppo del progetto, gli autori si sono ispirati ai dipinti di Malevich, Lisitsky e Suetin
• 27.06.2019 Rybolovlev ha presentato una richiesta contro la casa d'aste per $ 380.000.000 come risarcimento dei danni subiti nelle transazioni che hanno coinvolto il suo consulente Bouvier. È successo che Sotheby's ha accompagnato più di un terzo delle sue sfortunate transazioni d'arte
• 27.06.2019 Domani in Francia si sarebbe tenuta l'asta Labarbe, nella quale la tela “Giuditta e Oloferne”, miracolosamente acquistata, sarebbe stata venduta ad un prezzo iniziale di quasi 40.000.000 di dollari.
• 25.06.2019 Questo è un progetto congiunto della banca con il Museo Pushkin, dove è allestita la mostra “Shchukin. Biografia della collezione"

• 25.06.2019 I tradizionali venti lotti dell'Asta AI sono otto dipinti, sei fogli di grafica originale e due stampati, tre opere a tecnica mista e una scultura in legno
• 21.06.2019 50% venduto. Hanno comprato da Mosca, Sergiev Posad, dalla città di Engels nella regione di Saratov, ecc.
• 21.06.2019 Sabato scorso la casa d'aste Litfond ha venduto quadri, disegni, porcellane, libri, mappe, autografi, fotografie, ecc. per 57,9 milioni di rubli. Il lotto più alto era un dipinto di Valentin Serov: 18,75 milioni di rubli.
• 20.06.2019 Sabato 22 giugno, presso la Casa dello Smalto Russo, nell'ambito di un'asta mensile, agli acquirenti verranno offerti 516 lotti tra dipinti, disegni, icone, argenti, porcellane, vetri, gioielli, ecc.
• 19.06.2019 I tradizionali venti lotti dell'Asta AI sono dieci dipinti, cinque fogli di grafica originale e due stampati, opere con elementi collage, un album fotografico e un piatto in porcellana con il dipinto dell'autore

• 06.06.2019 La premonizione non ha deluso. Gli acquirenti erano di buon umore e l'asta è andata bene. Il primo giorno della “settimana russa” sono stati aggiornati i primi 10 risultati d'asta per l'arte russa. Per Petrov-Vodkin furono pagati quasi 12 milioni di dollari
• 23.05.2019 Rimarrai sorpreso, ma questa volta ho una bella sensazione. Penso che l'attività di acquisto sarà maggiore rispetto all'ultima volta. E molto probabilmente i prezzi ti sorprenderanno. Perché? Alla fine ci saranno alcune parole su questo argomento.
• 13.05.2019 Molti credono che una concentrazione così elevata di persone molto ricche crei inevitabilmente una domanda adeguata nel mercato dell’arte nazionale. Purtroppo, l'entità degli acquisti di dipinti in Russia non è affatto direttamente proporzionale alla quantità di ricchezza personale
• 24.04.2019 Sorprendentemente, molte delle scoperte IT precedentemente previste non si sono avverate. Forse in meglio. C'è un'opinione secondo cui invece di aiutare, i giganti mondiali di Internet ci stanno portando in una trappola. E solo una piccola parte della popolazione più ricca ha capito in tempo cosa fosse cosa
• 29.03.2019 Gli studenti Stroganovka che si incontravano all'obitorio erano destinati a diventare gli inventori dell'arte Sots, i promotori della "mostra dei bulldozer", commercianti di anime americane e i rappresentanti più riconoscibili dell'arte sovietica indipendente nel mondo Dal 19 giugno al 15 settembre si formeranno code nell'edificio principale del Museo Pushkin in Volkhonka, 12, per una mostra di circa 150 opere della collezione di Sergei Shchukin - dipinti di Monet, Picasso, Gauguin, Derain, Matisse e altri dalle collezioni del Museo Pushkin. Pushkin, Hermitage, Museo Orientale, ecc.
• 11.06.2019 Per la mostra sono state portate a Londra circa 170 opere di Goncharova provenienti da musei e collezioni di tutto il mondo, Russia inclusa.
• 07.06.2019 Fino alla fine di giugno la Galleria Tsereteli a Prechistenka ospita una grande mostra personale di Konstantin Aleksandrovich Batynkov, che quest'anno festeggia il suo 60esimo compleanno.

Mostra di pittura

Un capolavoro da manuale del primo impressionismo, “Olympia” di Edouard Manet, è stato portato al Museo Pushkin. Il Museo parigino d'Orsay si separò per un po' dal dipinto: poiché il dipinto era lì, ha viaggiato fuori dalla capitale francese solo una volta. Riferisce VALENTIN DYAKONOV.

È un peccato che non potremo più vedere Olimpia attraverso gli occhi dei contemporanei di Manet. Al Salon d'Autunno del 1865, il dipinto dovette essere appeso più in alto e dotato di guardie, tanto l'eroina quanto il dipinto stesso sembravano così oltraggiosi alla borghesia francese. Allora la violenza contro l’arte non era così rara. Al Salon del 1853, l'imperatrice Eugenia, moglie di Napoleone III, frustò le "Bagnanti" di Gustave Courbet con una frusta per cattivo comportamento ed eccessiva franchezza. Il pubblico di rango inferiore ha cercato di colpire ombrelli e bastoni contro Olympia. Era chiaro a tutti che era una prostituta, e non una dea, quella che guardava dalla foto: “La signora delle camelie” di Alexandre Dumas Il figlio era ancora fresco nella mia memoria, dove Olympia è il nome dell'eroina che vive “con nessuno e con tutti”. E come appare: rilassata, senza il minimo imbarazzo, senza nascondere il viso, come la cortigiana nel dipinto del primo maestro di Manet, Thomas Couture, “Orazio e Lidia”. Nell'arte di quel tempo, la sessualità è avvolta in pieghe, soggetti mitologici e falsa modestia. Manet lo dimostra così com'è - senza drammatici prestiti dai classici, ma con un servitore nero e un gatto nero con la schiena arcuata, che ha provocato risate beffarde da parte del pubblico. Emile Zola, che scrisse diversi articoli su Manet, dovette tener conto della trama troppo acuta e chiamare Olympia semplicemente “la prima ragazza che arrivò” che chiunque potesse incontrare per strada. La cosa principale, credeva Zola, sono le macchie di colore, cioè come vede l'artista, e il resto non è così importante.

Ma anche il pubblico ha problemi con il modo in cui Manet lo vedeva. È forse il primo artista dei tempi moderni ad essere paragonato alle stampe popolari, molto prima che i futuristi russi prendessero a modello le stampe popolari. Ma Manet era lontano dall'arte di mercato; copiò Tiziano, Velazquez e Goya. Il diretto predecessore di "Olimpia" è la "Venere di Urbino" di Tiziano, e la piattezza dimostrativa dei colori si basa sul primo Goya - nemmeno sul "Nudo Mach", ma sulle feste popolari a più figure della fine degli anni Ottanta del Settecento . Non è che la cortigiana di Manet sia troppo brillante, ma i colori qui sono indipendenti, non complementari, e l’occhio si tuffa nella tenda verde turchese sullo sfondo con la stessa facilità con cui si tuffa nella pelle di Olympia. Per questo coraggio nell'emancipazione del colore, Manet fu definito un abbandono e un pittore, e raramente andò ai Salons: invece delle mostre d'arte ufficiali dell'era della monarchia di luglio, l'artista dovette costruire caserme separate per le sue tele o organizzare mostre in il suo laboratorio. Dopo la morte di Manet, "Olympia" fu salvata per la Francia dagli amici dell'artista, e innanzitutto da Claude Monet, che annunciò una raccolta fondi per l'acquisto e il trasferimento del dipinto al Museo del Lussemburgo, da dove passò prima al Louvre, e poi alla Galleria Tretyakov francese - Orsay.

Ora Olympia provoca indignazione di tipo diverso: tra le persone istruite e politicamente corrette - come monumento al colonialismo francese. Non riusciamo più ad arrivare al significato rivoluzionario del dipinto, e Puskin lo colloca in un piccolo museo di grandi modelli. La cortigiana francese è circondata dall'Afrodite in gesso di Prassitele, dalla Fornarina di Giulio Romano e dalla Moglie del re di Paul Gauguin. Attraverso l’inclusione di Gauguin, emerge una narrazione globale su come gli artisti europei alla fine del XIX secolo si resero finalmente conto che esistevano altri tipi oltre alla bellezza mediterranea. Come Zola, Pushkinsky cerca di aggirare il tema dell'affiliazione professionale di Olympia dicendo allo spettatore nel testo sul muro che il dipinto in realtà parla "dell'amore". Naturalmente, se guardi a lungo una foto, puoi trovare qualcosa sull'amore, ma "Olympia" non riguarda affatto questo: riguarda la vita di tutti i giorni, le ragazze espulse dalla soglia di una società dignitosa da puritani, del fatto che mastici sempre le stesse cose. Ma le favole antiche, anche quelle sublimi, fanno male al cervello e ai nervi. Di tutti coloro che non hanno paura di mostrare ciò che sta accadendo, nel modo in cui deve essere mostrato qui e ora.

È arrivata a noi “Olympia” di Edouard Manet.

Non è difficile indovinare dove sia venuta: al Museo di Belle Arti Pushkin. Puškin. (Abitanti di San Pietroburgo, non arrabbiatevi: se siete troppo pigri per andare a Mosca per questa signora, allora verrà lei stessa all'Hermitage.)

In generale, “Olympia” lascia il Museo d'Orsay di Parigi solo per la seconda volta nella sua vita. La prima volta è stato per un incontro con la “Venere di Urbino” di Tiziano sul territorio italiano (e poi questo ha richiesto trattative a livello dei presidenti di Francia e Italia). A noi è bastata la richiesta di Irina Antonova.

Cosa c’entra la “Venere di Urbino”?

Ebbene in realtà una somiglianza con quest'opera c'è davvero, e Manet ne era sicuramente consapevole, anzi l'ha addirittura copiata.

Quindi, il lavoro di Edouard Manet, esposto nel 1865 al Salon di Parigi, suscitò uno scandalo incredibile. E non solo dal pubblico: i critici quasi all'unanimità hanno definito la raffigurazione "brutto volgare" e hanno assegnato altri epiteti simili.

Perché? E qui dobbiamo pensare in generale alla presenza della nudità nelle belle arti europee di quel tempo.

No, ovviamente, ha avuto luogo il "nudo". Ma come e in quale forma? In primo luogo, come giustificazione era richiesta una certa trama - il più delle volte mitologica, a volte romantico-eroica (ricordate la "Libertà sulle barricate" seminuda). In secondo luogo, l'aspetto delle eroine era invariabilmente idealizzato, senza naturalismo.

Per non addentrarci troppo nella storia, ecco un dipinto dell'accademico Alexander Cabanel, “La nascita di Venere”, scritto nello stesso periodo di “Olimpia”. Il pubblico di quel tempo era abbastanza pronto ad accettare tale nudità.

A proposito, non è stato l'artista stesso a chiamare la sua opera "Olympia". E qui è necessaria una spiegazione. Olympia era il nome di una delle eroine della “Signora delle camelie” di Dumas il Figlio: come si suol dire, “una signora del demimonde”, e perfino crudele e immorale. Il titolo, con dispiacere dell’autore, rimase bloccato.

Ma – divaghiamo per un momento dal nostro personaggio principale – gli innovatori generalmente hanno sempre capito. E una delle altre tre opere presentate dalle collezioni dello stesso Museo Pushkin, oltre al dipinto di Manet, lo ricorda.

Questa è "Afrodite di Cnido" di Prassitele. Fu questo scultore a introdurre nell'uso ellenistico l'immagine di donne completamente nude - prima di lui, a quanto pare, ciò non era accaduto.

La statua fu commissionata dagli abitanti di una certa isola di Kos (l'isola esiste ancora, ma chi se la ricorda?). Lo scultore, per ogni evenienza, ne ha scolpiti due, sia nudi che vestiti. Quindi, i clienti rifiutarono il nudo con indignazione (soprattutto perché correva voce che Prassitele avesse scelto l'etera Frine come modello per la dea) - insomma, si scandalizzarono non meno degli spettatori del Salon di Parigi. E portarono via quello vestito, di cui non sono sopravvissute immagini o copie.

Ma gli abitanti della città di Cnido acquistarono la statua nuda per collocarla nel loro tempio di Afrodite. E avevano ragione: i pellegrini iniziarono ad affluire in gran numero in città. Afrodite di Cnido fu copiata e su di lei si raccontarono leggende. Uno di loro dice: il re di uno stato vicino, volendo ricevere la scultura, ha promesso a Knidus di condonargli l'intero (e considerevole) debito statale. I residenti hanno rifiutato con indignazione.

L'originale di Prassitele non è sopravvissuto. Quella che vediamo nel Museo Pushkin è una delle copie di epoca romana. Le copie e le variazioni furono numerose: "Afrodite", infatti, gettò le basi per un nuovo stile scultoreo.

Un'altra opera che forma la compagnia di Olimpia nelle sale del Museo Pushkin è “La dama alla toilette” di Giulio Romano. Più spesso, però, viene chiamata “Fornarina” (personaggio semileggendario - o l'amata di Raffaello, o una cortigiana, o entrambi - non ci sono nemmeno informazioni certe sul suo nome).

Ma non è questo il punto: anche qui percepiamo il nudo rinascimentale come qualcosa di naturale. Per la sua epoca, ovviamente, sì, anche se anche qui vediamo riferimenti alla mitologia antica, almeno sotto forma di una statua di Venere sullo sfondo.

Ma qui è interessante anche qualcos'altro. Questa signora è venuta al museo... immagina, vestita. Completamente avvolto in un drappeggio blu (secondo altre fonti - in un vestito blu). La pulizia dei documenti successivi fu effettuata negli anni '30 nei laboratori di restauro del Museo Pushkin sotto la guida di Pavel Korin. E solo allora divenne chiaro che tutto l'abbigliamento originale della donna raffigurata era un piccolo drappeggio traslucido. Il che, bisogna pensare, una volta sembrava indecente.

Bene, e infine, l'ultima delle opere presentate è “La moglie del re” di Paul Gauguin, uno dei suoi dipinti tahitiani.

A Gauguin piaceva molto il dipinto di Manet, tanto che ne portò con sé una riproduzione a Tahiti. Le somiglianze tra le due opere sono innegabili, anche se lo stile di Gauguin è completamente diverso.

Ritornando a “Olympia”: chi conosce quest'opera solo dalle riproduzioni potrà finalmente apprezzarne dal vivo le sfumature di colore, soprattutto per quanto riguarda i toni scuri.

Ebbene, in effetti, è stata quest'opera a cambiare l'atteggiamento dei pittori moderni nei confronti del nudo.

La mostra è aperta nell'edificio principale e durerà fino a metà luglio.

Cos'altro sta succedendo al Museo Pushkin: "". Fino a metà maggio, quindi non c'è molto tempo.

Fino a metà maggio nell'edificio principale sono esposte anche le opere di Viktor Pivovarov, che riecheggiano i classici.

Ma quella che si chiuderà molto presto è la mostra più dolce nel palazzo della Galleria delle Arti d'Europa e d'America dei secoli XIX-XX: “”. Fino al 24 aprile.

E il Metropolitan Museum of Art di New York.

Per tale eredità siamo grati a due collezionisti pre-rivoluzionari: l'industriale Ivan Morozov e il commerciante Sergei Shchukin. Sono stati loro a spendere centinaia di migliaia di franchi all'anno per l'acquisto di futuri capolavori.

Ecco solo 7 dipinti a cui non puoi passare.

Parte del testo è evidenziata con un carattere e un colore diversi: questo significa che puoi osservare queste caratteristiche dei dipinti solo dal vivo.

1. Pierre-Auguste Renoir. Ritratto dell'attrice Zhanna Samari. 1877

Il dipinto era in realtà uno studio per un altro, cerimoniale. Ora è conservato all'Ermitage. Tuttavia, la maggior parte dei critici d’arte considera questo ritratto “incompiuto” uno dei principali capolavori di Renoir. Questa immagine è la quintessenza della sensualità e del fascino femminile.

L'immagine ha un piccolo segreto. Se la guardi direttamente, il vestito dell'attrice è verde. Se la guardi di lato, il vestito diventa blu.

Quando il ritratto fu esposto in una mostra nel 1873, molti contemporanei di Renoir non lo capirono: “Le sue mani sono come squame di pesce!” Ma c'erano anche dei sostenitori: "Puoi mangiare questo ritratto con un cucchiaio!"

Renoir ha abbellito l'aspetto della ragazza. Nella vita, Zhanna non era così brava. Ma era divertente e aveva un sorriso affascinante. Di lei si innamorò un giovane di famiglia benestante. Gli aristocratici non volevano accettare nella famiglia un rappresentante di una professione frivola. Nessuno di loro è venuto al matrimonio.

Zhanna morirà all'età di 32 anni di febbre tifoide. Lasciando il marito con due figlie. E anche questo ritratto. Resterà appeso nel suo appartamento fino alla sua morte.

Leggi anche del dipinto nell'articolo.

2.Vincent Van Gogh. Vigneti rossi ad Arles. 1888

Van Gogh dipinse questo dipinto nella città di provincia di Arles. È venuto qui da Parigi alla ricerca di colori vivaci. La sua ricerca ha avuto successo. Qui crea i dipinti più sorprendenti e famosi. E il suo famoso , e . Compresi i “Vigneti Rossi”.

I vigneti in realtà non sono rossi. La vegetazione assunse solo temporaneamente una tinta rossa sotto i raggi del sole al tramonto. Van Gogh non poteva ignorare un simile effetto ottico.

Il dipinto è stato dipinto con la tipica tecnica dell'impasto di Van Gogh. La vernice viene applicata con pennellate molto spesse e larghe.

Il dipinto è noto anche per il fatto che è stato acquistato per un prezzo decente: 350 franchi. Prima di ciò, Van Gogh era riuscito a vendere non più di 20 delle sue opere per un prezzo molto più modesto.

Si ritiene che questo sia stato l'inizio del suo riconoscimento. E se non fosse stato per il colpo mortale al petto del 1889, Van Gogh diventerebbe ben presto favolosamente ricco.

Leggi il primissimo capolavoro del maestro nell'articolo

3. Paul Cézanne. Pierrot e Arlecchino. 1888

Cézanne era l'esatto opposto dell'impressionista. Ha cercato di creare qualcosa di monumentale che esista al di fuori del tempo. A differenza degli impressionisti, che cercavano di trasmettere l'impressione del momento.

Claude Monet dipinse i suoi quadri nel giro di poche ore e persino di minuti. Come, ad esempio, il tuo famoso dipinto.

Cezanne ha lavorato a “Pierrot e Arlecchino” per 2 anni! Suo figlio e l'amico di suo figlio hanno posato per lui. Nessun altro accetterebbe centinaia di sessioni estenuanti.

Notate con quanta cura è disegnato il costume di Pierrot. Sembra bianco solo da lontano. Da vicino vedrai che le pieghe sono scritte con colori verde e blu.

Anche la composizione dell'immagine è insolita. Pierrot colpisce Arlecchino alla schiena con il pugno. Apparentemente, dopo aver ascoltato un'altra frecciata dell'arrogante Arlecchino, il sensibile ma codardo Pierrot non ha osato mostrare il suo pugno in faccia.

L’artista ha cambiato la posa di Arlecchino più di una volta. Di conseguenza, il suo piede finì proprio sul bordo della tela. L'artista lo ha addirittura piegato per accogliere il piede.

4.Paul Gauguin. Sei geloso? 1892

Gauguin è sempre stato gravato dall'Europa primitiva. Metà peruviano da parte di madre, ha vissuto nella natura esotica del Sud America fino all'età di sette anni. Pertanto, non sorprende che un giorno sia fuggito da Parigi a Tahiti.

Immagine "Oh, sei geloso?" -una delle sue migliori opere tahitiane. È brillante ed esotica. È da tali opere che Gauguin è più riconoscibile.

Il dipinto raffigura un momento della vita delle ragazze tahitiane osservato dall'artista. Stanno conversando tranquillamente, assumendo pose rilassate.

Uno è sorpreso del motivo per cui l'altro è geloso. Capiamo l'argomento della conversazione dalla frase scritta da Gauguin sotto "Oh, sei geloso?" Questa scena non ci sarà comprensibile se non conosciamo le usanze dei tahitiani.

I tahitiani erano sostenitori dell'amore libero. Anche una ragazza sposata potrebbe passare la notte con un altro uomo. Pertanto, la gelosia era considerata inappropriata.

Da qui la sorpresa di una ragazza per la gelosia di un'altra. Sì, ha passato la notte con l'amante della sua amica. Cosa c'è di sbagliato in questo? Questa è la morale.

A differenza di Van Gogh, a Gauguin non piaceva la tecnica dell'impasto. Ho scritto in uno strato. Pertanto, è facile vedere la trama della tela attraverso la vernice.

5. Edgar Degas “Ballerine blu”. 1897

Si ritiene che Degas fosse un pittore di ballerini. Ma come lui stesso affermò, non amava le ballerine, ma il movimento e i bei vestiti. Questo è esattamente quello che cercava nelle ballerine.

Potrebbe sembrarti che nel dipinto ci siano quattro ballerini che ballano. In realtà non ballano. E non ce ne sono affatto quattro!

Molto probabilmente, Degas ha raffigurato una ragazza da diverse angolazioni. Nei suoi archivi dopo la sua morte furono trovate fotografie della stessa ragazza in diversi momenti di movimento.

Vediamo come si è chinata per aggiustarsi la scarpa da punta. Un attimo dopo si aggiusta le spalline del vestito. E poi si aggrappa alla decorazione per ispezionare il suo vestito.

Degas ha ottenuto il colore blu brillante in un modo insolito. L'immagine è dipinta in pastelli. Questi sono qualcosa come i pastelli a cera. Degas l'ha esposta al vapore.

Sotto l'influenza del vapore, il pastello si è ammorbidito e l'artista lo ha distribuito sulla tela con un pennello. Questo le ha dato ancora più splendore.

Leggi altri segreti del dipinto nell'articolo

6. Claude Monet. Ninfee bianche. 1899

Verso i 50 anni, Claude Monet riceve finalmente il riconoscimento che meritava. I suoi dipinti iniziarono ad essere acquistati per soldi decenti. Senza esitazione, si comprò una casa nella pittoresca provincia di Giverny. Qui ha allestito un magnifico giardino con un laghetto.

Quando abbiamo acquistato la casa non c'era alcun laghetto nella proprietà. Manet lo creò artificialmente modificando il corso di un fiume vicino.

Monet vivrà a Giverny per 43 anni. Dipingerà centinaia di quadri nel suo giardino. Di queste, 12 opere sono con un ponte giapponese. Quello conservato al Museo Pushkin è considerato uno dei migliori di questa serie.

A proposito, le ninfee sono apparse nello stagno poco prima che questo dipinto fosse dipinto. Prima di ciò, il ponte si estendeva sulla limpida superficie dell’acqua, come nel dipinto “Il ponte nel giardino di Monet”.

Leggi altri due capolavori di Monet dal Museo Pushkin negli articoli: Henri Matisse. Pesce rosso. 1912 Museo Pushkin im. COME. Pushkin (Galleria d'Arte d'Europa e d'America dei secoli XIX-XX), Mosca. Dalla collezione di Sergei Shchukin

Nella foto vediamo una piccolissima parte della serra. C'è un barattolo di pesci rossi sul tavolo. A sinistra puoi vedere una sedia di vimini. Il verde delle piante rende i pesci ancora più vivaci.

Di un dipinto di Matisse si dice spesso che sembra che sia stato dipinto da un bambino. Sì, la natura morta sembra incompiuta e ingenua. Matisse ha deliberatamente “semplificato” la sua pittura. Ha abbandonato la mescolanza di colori e piccoli dettagli. Per non soffocare l'influenza del colore sullo spettatore.

Il dipinto è stato dipinto dopo che l'artista ha visitato il Marocco. Lì rimase stupito dal modo in cui gli arabi passavano ore a guardare i pesci rossi. Matisse ha creato "Goldfish" per la contemplazione e la meditazione piacevole.

Tu stesso puoi sentire come l'immagine "si trascina". Voglio stare di fronte a lei per molto tempo, senza correre da nessuna parte.Matisse disse: “Voglio che lo spettatore stanco ed esausto possa assaporare la pace e il relax davanti al mio dipinto”.

Matisse dipinse molte nature morte con pesci. Ma anche quello conservato a Pushkinsky è considerato uno dei migliori.

Dipinti di Henri Matisse al Museum of Modern Art di New York. A sinistra: “Pesce rosso e scultura”, 1911. A destra: “Pesce rosso e tavolozza”. 1914

Dopo la rivoluzione, le collezioni di Shchukin e Morozov furono nazionalizzate. La casa di Shchukin è stata trasformata in un museo. All'ex proprietario fu permesso di vivere nella casa del portinaio. Prima di lasciare la Russia nel 1919, condusse visite alla sua ex dimora.

Ivan Morozov, nel frattempo, è stato nominato assistente curatore della sua collezione. Lasciò anche la Russia nel 1919 e presto morì in Francia...

Puoi studiare i dipinti conservati nell'edificio principale del museo nell'articolo.

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- Perché è una gioia vedere l’Olympia di Manet?

Credo che la grande felicità risieda nel comunicare con le più grandi opere d'arte. Bisogna assolutamente toccare le cose belle, bisogna avere uno standard, un'altezza davanti agli occhi. Altrimenti, la persona cade molto rapidamente a quattro zampe. L'Olympia di Manet è un grande dipinto e un grande dipinto. Guardando il grande, capisci meglio cosa sta succedendo intorno a te.

- Perché è stata portata una sola opera da Parigi?

Questo progetto è una mostra di un'opera d'arte. Mostriamo cose che ti convincono che puoi venire al museo anche per un solo dipinto. In precedenza, avevano portato la Gioconda, Botticelli, un ritratto di Riminaldi di Tiziano (penso che sia il ritratto più brillante nella storia dell'arte mondiale. Non credevo che fosse possibile ottenerlo, ma si è scoperto che era possibile ). Ma se prima mostravamo un solo capolavoro, ora lo circondiamo di “suggerimenti”.

- Come dovresti guardare la mostra?

Un piccolo lavoro implica: devi cercare a lungo, devi entrare nel personaggio. Esiste un termine: "stanchezza da museo". Sicuramente è una sensazione familiare: hai camminato per la mostra per circa quaranta minuti, non hai fatto nulla, ma eri incredibilmente stanco. Questo è naturale, perché le cose parlano a una persona.

- Quali opere hai scelto per il suggerimento?

Ce ne sono solo tre. La prima è “Afrodite” di Prassitele, scultore ateniese del IV secolo a.C. Prassitele fu il primo artista europeo a rappresentare il corpo femminile completamente nudo. La seconda è “La Gabinetto o Fornarina” di Giulio Romano, allievo di Raffaello. Il terzo è il dipinto di Paul Gauguin “La regina (la moglie del re)”, dipinto durante il suo soggiorno a Tahiti. Tutte e tre le opere rappresentano dei passaggi. Due sono i passi “prima” di “Olympia”, e l’ultimo è quello di Gauguin – il passo “dopo”, perché Gauguin ammirava “Olympia” di Manet.

- Potrebbero esserci state altre opere invece delle tre che circondano Olimpia?

Naturalmente volevamo mostrare la “Danae” di Tiziano dall’Ermitage. Ci avevano promesso di fornircelo, ma una settimana prima della mostra si sono rifiutati, il che ha quasi rovinato il piano. Inoltre, mi è venuta l’idea di presentare “L’ignoto” di Kramskoy dopo Gauguin. Ma pensavo che la Galleria Tretyakov, difendendo l'onore della sua signora, non avrebbe permesso che il dipinto fosse appeso nelle vicinanze.

- Cosa vediamo nel dipinto “Olympia”?

Una ragazza arrogante, rappresentante di una professione irrispettosa. Nonostante l'ovvietà della situazione, ad Olympia c'è un enorme senso di autostima. Non è umiliata o insultata, ma una persona indipendente. Ci guarda, facendo un gesto non del tutto decoroso. Vedo questo gesto come uno schiaffo in faccia. Manda via il signore non invitato.

Ritratto fotografico di Irina Antonova / Fornito dal servizio stampa del Museo di Belle Arti Pushkin. Puškin

- A cosa dovresti prestare attenzione?

La regina è interpretata dal suo entourage. Pertanto, l'ambiente qui è molto importante. Il gatto irto è un cavaliere, si arrabbia con colui che sta di fronte al proprietario. Tieni presente che la cameriera nera non regala il bouquet, ma lo tiene con sé, sapendo che molto probabilmente la ragazza lo butterà via.

Inoltre, presta attenzione allo straordinario flusso della pittura. Sono semplicemente pazza quando guardo come sono dipinti questi tessuti bianchi, questo fiore tra i capelli. A proposito, quando "Olympia" è stata criticata, hanno scritto che aveva la pancia gialla. Ho guardato, ma non ho visto alcuna pancia gialla.

È molto importante sentire l'ironia dell'immagine. Davanti a noi c'è Venere, ma cos'è? E poi la palla inizia a svolgersi. Davanti a noi ci sono di nuovo gli eterni amanti. Chi li ama - Dio o un ragazzo cattivo a cui non piaceva Olympia - è un'altra questione.