Rembrandt: biografie, creativitate, fapte și videoclipuri. Rembrandt - tot ce trebuie să știți despre celebrul artist olandez Artistul Rembrandt a trăit în secol

Acasă / Conducere

Arta ne face viața mai interesantă și mai frumoasă. Sunt oameni care vor fi amintiți timp de secole, a căror muncă va fi moștenită de noile generații.

După ce ați citit acest articol, veți ajunge mai aproape de înțelegerea moștenirii artei mondiale, care a fost lăsată în urmă de marele maestru - artistul Rembrandt van Rijn.

Biografie

Astăzi este numit maestru al umbrelor, precum și un om care ar putea pune absolut orice emoție pe pânză. În continuare, ne vom familiariza cu calea vieții pe care a trebuit să o parcurgă.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) s-a născut în Olanda, în orașul Leiden. De mic a fost interesat de pictură, iar de la 13 ani a studiat arta plastică cu Jacob van Swanenbürch, care era pictor istoric.

După aceea, se știe că Rembrandt a studiat cu Peter Lastman la vârsta de 17 ani, ajungând la Amsterdam. Profesorul său s-a specializat în motive biblice și mitologie.

M-am gândit la propria mea afacere

Deja la vârsta de 21 de ani, Rembrandt van Rijn, împreună cu prietenul său, a deschis un atelier de desen și a susținut seturi regulate de studenți și cursuri de arte plastice. A durat doar câțiva ani și a devenit popular printre alții ca maestru al meșteșugului său.

Împreună cu prietenul lor Lievens, deja creau capodopere la acea vreme și au fost remarcați de Constantin Huygens, care era secretarul Prințului de Orange. El a numit tabloul cu Iuda una dintre cele mai bune opere de artă din antichitate. A jucat un rol important în dezvoltarea artistului, ajutând la stabilirea contactelor cu clienți bogați.

Viață nouă în Amsterdam

Până în 1631, Rembrandt van Rijn se mutase deja complet la Amsterdam. Viața în acest oraș a fost plină de comenzi de la clienți importanți care l-au văzut ca pe un mare artist tânăr. În acest moment, prietenul său a plecat să studieze în Anglia, unde a încercat și el să reușească sub auspiciile unui nou profesor.

Între timp, artista începe să se implice în imaginea fețelor. Este interesat de expresiile faciale ale fiecărei persoane, încearcă să experimenteze cu capetele pictate ale oamenilor. Rembrandt van Rijn a reușit să transmită cu acuratețe tot ceea ce spuneau ochii persoanei de la care a scris capodopera.

Portretele de atunci au fost cele care i-au adus artistului succes comercial. În plus, îi plăcea autoportrete. Puteți găsi multe dintre lucrările sale, unde s-a portretizat în costume și ținute imaginare, ipostaze interesante.

timp de glorie

Rembrandt Harmenszoon van Rijn a câștigat recunoașterea universală la Amsterdam după ce a pictat „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” în 1632, unde a descris chirurgi pe care doctorul i-a învățat să-i disece folosind exemplul unui cadavru.

Dacă te uiți la această poză, poți vedea acea linie fină cu care maestrul a descris expresia facială a fiecăruia dintre ei. Acestea nu sunt doar fețele oamenilor, el a reușit să transmită emoția generală precaută a unui întreg grup de studenți.

Iar felul în care a înfățișat umbra din imagine i-a uimit pe mulți experți ai vremii. Ei au început în unanimitate să spună că Rembrandt Harmenszoon van Rijn s-a maturizat odată cu picturile sale.

Putem spune că această perioadă este considerată una dintre cele mai favorabile din viața unui tânăr artist. După căsătoria sa cu Saskia van Uilenbürch în 1634, comisioanele i-au plouat pe cap cu un ritm pe care nu l-a putut picta.

În primii ani de viață în noul oraș, tânărul Rembrandt van Rijn a reușit să picteze peste 50 de tablouri. Imaginile erau deosebite și strălucitoare, scriitorii și-au amintit de mai multe ori creațiile sale. De exemplu, Jost van den Vondel, pe atunci cel mai cunoscut poet și dramaturg, i-a adus un omagiu autorului în poeziile sale despre portretul pe care l-a pictat lui Cornelis Anslo.

În acel moment, avea destui bani să-și cumpere propriul conac. Pasionat de artă și studiind lucrările clasicilor și ale altor maeștri, și-a umplut casa cu lucrări celebre atât ale contemporanilor, cât și creații ale vremurilor străvechi.

Viață de familie

Criticii de artă de astăzi notează lucrările bune ale vremii, care au fost scrise de Rembrandt van Rijn. Picturile soției sale Saskia în diverse haine și pe fundaluri diferite indică faptul că maestrul s-a maturizat pe deplin și a început să-și creeze arta pe pânze.

A fost și durere - cei trei copii pe care i-a avut în timpul căsătoriei sale au murit la o vârstă fragedă. Dar în 1641, cuplul a avut un fiu, Titus, care a fost o priză pentru tinerii părinți. Acea perioadă tulbure s-a imprimat perfect picturii artistului „Fiul risipitor într-o tavernă”.

Eveniment neplăcut

Ca și în primii săi ani, imaginația marelui artist l-a împins mereu să creeze tablouri cu anumite subiecte biblice. Ce valoare are tabloul său „Sacrificiul lui Avraam”, pe care l-a pictat în 1635! Emoțiile și starea de spirit sunt atât de clar transmise, încât începi să-ți faci griji că, de îndată ce clipești, cuțitul se va cufunda imediat în carne.

În arta modernă, acest sentiment poate fi transmis doar de fotografi care fac o fotografie clară în mișcare. Într-adevăr, este izbitoare capacitatea sa de a afișa atmosfera situațiilor procesate de imaginația marelui maestru.

Începutul problemelor

Eșecurile artistului nu s-au încheiat cu moartea soției sale. Părerile artistului s-au schimbat treptat. Acel tânăr Rembrandt van Rijn, a cărui opera i-a admirat pe contemporani, a dispărut treptat.

În 1642 a primit o ofertă excelentă de a picta un portret al mușchetarilor, care urma să fie amplasat în clădirea nou construită a Societății de Tragere. A fost unul dintre cele mai mari tablouri pictate vreodată de maestru - a ajuns la patru metri.

Conform viziunii clienților, artistul a trebuit să creeze un portret obișnuit al soldaților, care să radieze forță și încredere. Din păcate, artistul Rembrandt van Rijn a finalizat sarcina în felul său.

După cum se poate vedea în tabloul „Night Watch”, care este prezentat mai jos, opera sa cu greu poate fi numită portret. Pânza descrie o întreagă scenă de pregătire a unei companii de puști pentru o campanie bruscă.

Și puteți vedea cum mișcarea din imagine a înghețat. Acesta este un cadru separat de viața soldaților. A existat multă indignare din partea clienților în legătură cu acest lucru. Unii muschetari au fost retrogradați pe plan secund, în timp ce alții au fost capturați într-o poziție incomodă.

În plus, jocul ascuțit de lumini și umbre, pe care, poate, nimeni nu l-a putut înfățișa atât de strălucitor și de îndrăzneț pe pânză, de asemenea, nu a stârnit admirație.

După aceea, Rembrandt van Rijn, ale cărui lucrări au fost considerate ieri printre cele mai bune, a început să devină neinteresant pentru un public de rang înalt. Și asta însemna în acel moment că nimeni nu va face comenzi scumpe cu el.

Acum imaginați-vă o persoană care și-a trăit toată viața într-un mod mare și apoi și-a pierdut brusc sursa de venit. Va putea renunța la viața lui obișnuită?

Modernitatea a necesitat detalierea picturilor

Elevii lui îl părăsesc treptat. Viziunea lui Rembrandt devine treptat decalată cu moda din acea vreme - noile tendințe se îndreptau spre detaliul maxim. Adică, dacă artistul a început să picteze așa cum a făcut în tinerețe, atunci ar exista o cerere considerabilă pentru el.

Dar viața este imprevizibilă, la fel ca o persoană adevărată creativă. Mâna îi devenea tare, îi plăcea să se joace cu umbra, estompând marginile clare ale obiectelor.

Incapacitatea de a face bani buni i-a afectat situația financiară. Având în vedere că regretata lui soție era o doamnă dintr-o familie înstărită, zestrea ei a trecut complet în posesia lui. Și, neavând venituri, pur și simplu l-a cheltuit, sau l-a „ars”, pentru propriile nevoi.

La sfârșitul anilor patruzeci ai secolului al XVII-lea, s-a înțeles cu servitoarea sa Hendrikje. Se vede în unele dintre picturile sale. La acea vreme, legile erau stricte în ceea ce privește legăturile de familie, iar muza lui a fost condamnată de instanță când au născut-o pe Cornelia.

Este greu de găsit pânze celebre din această perioadă a vieții artistului. S-a îndepărtat treptat de numeroasele motive și scene pe care le-a scris în trecutul recent.

Dar el, ca persoană creativă, s-a arătat în alte domenii. La acea vreme, el a executat deja cu măiestrie gravuri. I-au luat 7 ani să finalizeze o capodopera numită „Hristos vindecând bolnavii”.

A putut să-l vândă cu 100 de guldeni, ceea ce era destul de mare pentru vremea aceea. considerate cele mai bune dintre cele pe care le-a putut crea Rembrandt.

Apus de soare Rembrandt

Artistul în vârstă s-a confruntat din ce în ce mai mult cu probleme materiale. În 1656 a devenit complet falimentar, transferându-și toată moștenirea fiului său. Nu era din ce să trăiești. Un an mai târziu, a trebuit să-și vândă moșia. Încasările l-au ajutat să se mute în periferia liniștită a Amsterdamului. S-a stabilit în cartierul evreiesc.

Cea mai apropiată persoană de el în timpul bătrâneții a fost fiul său. Dar Rembrandt nu a avut noroc, pentru că a trăit până să-și vadă moartea. Nu a mai suportat loviturile destinului, iar un an mai târziu a murit și el.

Rembrandt de azi

Arta nu moare niciodată. Creatorii trăiesc în lucrările lor, în special, artiștii fac întotdeauna parte din pânzele lor. Esența unei persoane este transmisă în stilul și priceperea sa în pictură.

Până în prezent, Rembrandt van Rijn este considerat un artist cu majusculă și este recunoscut de toți criticii. Munca lui este foarte apreciată. De exemplu, în 2009, la o licitație, pictura sa „Portretul pe jumătate al unui bărbat necunoscut stând pe șolduri”, scrisă în 1658, a fost vândută pentru un preț record de 41 de milioane de dolari SUA (în ceea ce privește cursul de schimb al acel timp).

De asemenea, apreciată este tabloul său „Portret de femeie în vârstă”, care în 2000 a fost vândut cu aproximativ 32 de milioane de dolari. Această pânză nici măcar nu îndrăznește să fie numită „poză”. Arată doar ca o fotografie mare - doar un mare maestru ar putea detalia atât de mult chipul.

Oameni precum Rembrandt Harmenszoon van Rijn sunt cu adevărat inspiratori. Și nu este necesar să devii artist, trebuie doar să faci ceea ce îți place și, cel mai important, din inimă.

pictor olandez, gravor, mare maestru al clarobscurului

Rembrandt

scurtă biografie

(Olandez Rembrandt Harmenszoon van Rijn [ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Artist, gravor olandez, mare maestru al clarobscurului, cel mai mare reprezentant al epocii de aur a picturii olandeze. A reușit să întrupeze în lucrările sale întreaga gamă de experiențe umane cu o asemenea bogăție emoțională, pe care arta plastică nu a cunoscut-o înaintea lui. Lucrările lui Rembrandt, extrem de diverse ca gen, deschid privitorului lumea spirituală atemporală a experiențelor și sentimentelor umane.

Ani de ucenicie

Rembrandt Harmenszoon („fiul lui Harmen”) van Rijn s-a născut la 15 iulie 1606 (conform unor surse, în 1607) într-o familie numeroasă a unui bogat proprietar de moară Harmen Gerritszoon van Rijn din Leiden. Familia mamei, chiar și după Revoluția olandeză, a rămas fidelă credinței catolice.

„Alegoria muzicii” din 1626 - un exemplu al influenței lui Lastman asupra tânărului Rembrandt

În Leiden, Rembrandt a urmat școala de latină la universitate, dar a arătat cel mai mare interes pentru pictură. La vârsta de 13 ani, a fost trimis să studieze arta plastică cu pictorul istoric din Leiden Jacob van Swanenbürch, catolic de credință. Cercetătorii nu au reușit să găsească lucrările lui Rembrandt legate de această perioadă, așa că chestiunea influenței lui Swanenbürch asupra formării modului creator al lui Rembrandt rămâne deschisă: astăzi se cunosc prea puține lucruri despre acest artist din Leiden.

În 1623, Rembrandt a studiat la Amsterdam cu Pieter Lastman, care se pregătise în Italia și se specializase în subiecte istorice, mitologice și biblice. Întors la Leiden în 1627, Rembrandt, împreună cu prietenul său Jan Lievens, și-a deschis propriul atelier și a început să recruteze studenți. În câțiva ani, a câștigat o mare popularitate.

Influența lui Lastman și a caravagiștilor

Pasiunea lui Lastman pentru variație și detaliu în execuție a avut un impact uriaș asupra tânărului artist. Se vede clar în primele sale lucrări supraviețuitoare - „Lapidarea Sf. Stefan” (1629), „O scenă din istoria antică” (1626) și „Botezul unui eunuc” (1626). În comparație cu lucrările sale mature, sunt neobișnuit de colorate, artistul se străduiește să scrie cu atenție fiecare detaliu al lumii materiale, cât mai exact posibil pentru a transmite decorul exotic al poveștii biblice. Aproape toate personajele apar în fața privitorului îmbrăcate în ținute orientale bizare, strălucind de bijuterii, care creează o atmosferă de majoritate, splendoare, festivitate („Alegoria muzicii”, 1626; „David înaintea lui Saul”, 1627).

Lucrările finale ale perioadei – „Tobit și Anna”, „Balaam și măgarul” – reflectă nu doar imaginația bogată a artistului, ci și dorința acestuia de a transmite cât mai expresiv experiențele dramatice ale eroilor săi. Ca și alți maeștri ai barocului, el începe să înțeleagă semnificația clarobscurului sculptat ascuțit pentru transmiterea emoțiilor. Profesorii săi în legătură cu munca cu lumina au fost caravagiștii de la Utrecht, dar el a fost și mai ghidat de lucrările lui Adam Elsheimer, un german care a lucrat în Italia. Cele mai caravagiste picturi ale lui Rembrandt sunt „Pilda bogatului nebun” (1627), „Simeon și Anna în templu” (1628), „Hristos la Emaus” (1629).

Adiacent acestui grup se află pictura Artistul în atelierul său (1628; poate acesta este un autoportret), în care artistul s-a surprins în atelier în momentul contemplării propriei creații. Pânza la care se lucrează este adusă în prim-planul imaginii; în comparație cu el, autorul însuși pare un pitic.

Atelier în Leiden

Una dintre problemele nerezolvate ale biografiei creative a lui Rembrandt este suprapunerea sa artistică cu Lievens. Lucrând cot la cot, au abordat de mai multe ori același subiect, precum Samson și Dalila (1628/1629) sau Învierea lui Lazăr (1631). Parțial, ambii au fost atrași de Rubens, care atunci era cunoscut ca cel mai bun artist din toată Europa, uneori Rembrandt a împrumutat descoperirile artistice ale lui Livens, alteori a fost exact invers. Din acest motiv, distincția dintre lucrările lui Rembrandt și Lievens din 1628-1632 prezintă anumite dificultăți pentru istoricii de artă. Printre celelalte lucrări celebre ale sale se numără „Magarul lui Valaam” (1626).

În 1629, artistul a fost remarcat de secretarul prințului de Orange, Constantin Huygens (tatăl lui Christian Huygens), un cunoscut poet și patron al artelor la acea vreme. Într-una dintre scrisorile din acea vreme, Huygens îi laudă pe Lievens și Rembrandt ca tineri artiști promițători și compară Iuda întoarcerea celor treizeci de piese de argint al lui Rembrandt cu cele mai bune lucrări din Italia și chiar din antichitate. Huygens a fost cel care l-a ajutat pe Rembrandt să contacteze clienți bogați și i-a comandat mai multe picturi religioase pentru Prințul de Orange.

Dezvoltarea propriului stil

În 1631, Rembrandt s-a mutat la Amsterdam, unde dinamismul inerent esteticii barocului și patosul exterior al pânzelor i-au găsit mulți admiratori înstăriți, care, ca și Huygens, au văzut în el un nou Rubens. Un an mai târziu, Lievens a închis atelierul din Leiden și a plecat în Anglia, unde a căzut sub influența lui van Dyck, apoi, până la întoarcerea în patria sa în 1644, a lucrat la Anvers.

Perioada mutării la Amsterdam a fost marcată în biografia creativă a lui Rembrandt prin realizarea a numeroase studii asupra capetelor masculine și feminine, în care explorează originalitatea fiecărui model, experimente cu expresii faciale în mișcare. Aceste mici lucrări, confundate ulterior cu imagini ale tatălui și ale mamei artistului, au devenit o adevărată școală pentru Rembrandt ca portretist. Portretul i-a permis artistului de la acea vreme să atragă comenzi de la burghezii bogați din Amsterdam și, prin urmare, să obțină succes comercial.

În primii ani de la Amsterdam, genul autoportretului ocupă un loc proeminent în opera lui Rembrandt; înfățișându-se în ținute fantastice și ipostaze complicate, el conturează noi modalități de dezvoltare a artei sale. Uneori, personajele în vârstă din schițe, îmbrăcate de artist în costume orientale luxoase, sunt transformate de imaginația sa în personaje biblice; așa este gânditorul Ieremia plângând distrugerea Ierusalimului (1630). Pentru statholderul Frederick Heinrich de Orange, el creează pânze pereche „Exaltation of the Cross” (1633) și „Descent from the Cross” (1632/1633), inspirate de gravurile cu mai multe figuri ale lui Rubens.

Succes la Amsterdam

Faima lui Rembrandt ca maestru remarcabil s-a răspândit în Amsterdam după ce a finalizat portretul de grup „Lecția de anatomie a doctorului Tulp” (1632), în care chirurgi atenți nu erau aliniați în rânduri paralele de capete îndreptate spre privitor, așa cum era obișnuit. în portretele de atunci, dar strict distribuite într-o compoziție piramidală, care a făcut posibilă unirea psihologică a tuturor actorilor într-un singur grup. Bogăția expresiilor faciale a fiecărei fețe și utilizarea dramatică a clarobscurului însumează ani de experimentare, mărturisind debutul maturității creative a artistului.

Primii ani la Amsterdam au fost cei mai fericiți din viața lui Rembrandt. Căsătoria cu Saskia van Uilenbürch, care a avut loc în 1634, îi deschide artistei ușile conacelor burgherilor bogați, căruia îi aparținea tatăl ei, primarul din Leeuwarden. Ordinele i se revarsă una după alta; cel puțin cincizeci de portrete datează din primii ani ai șederii lui Rembrandt la Amsterdam. Menoniții conservatori l-au favorizat în special. Mult zgomot a făcut portretul său dublu al predicatorului menonit Cornelis Anslo, care a fost cântat în versuri chiar de Vondel.

Bunăstarea materială a lui Rembrandt i-a permis să-și dobândească propriul conac, pe care l-a umplut cu obiecte de artă pe care le-a cumpărat de la anticari. Acestea nu erau doar picturi și gravuri ale maeștrilor italieni, ci și sculpturi antice, arme și instrumente muzicale. Pentru a-i studia pe marii predecesori, nu a fost nevoie să părăsească Amsterdam, pentru că în oraș atunci se puteau vedea capodopere precum Titian „Portretul lui Gerolamo (?) Barbarigo” și portretul lui Baltazar Castiglione de Rafael.

Printre cele mai semnificative portrete ale acelor ani se numără imaginile cu Saskia - uneori acasă, întinsă în pat, alteori în halate luxoase (portret Kassel, 1634) și înfățișări teatrale („Saskia sub forma Florei”, 1634). În 1641 s-a născut fiul lor Titus; încă trei copii au murit în copilărie. Excesul de vitalitate a artistului în anii de căsătorie cu Saskia este exprimat cu cea mai mare bravura în tabloul Fiul risipitor într-o cârciumă (1635). Iconografia acestei illustre lucrări se întoarce la reprezentările moraliste ale desfrânării fiului risipitor din pilda biblică.

Saskia a murit la un an după nașterea fiului ei, iar viața lui Rembrandt a început o perioadă de pierderi personale continue.

Dialog cu italienii

Dialogul creativ al lui Rembrandt cu marii artiști italieni este indicat nu numai de lucrările portretistice, ci și de picturile cu mai multe figuri pe teme mitologice și biblice, reflectând preocuparea artistului pentru efectele externe și în consonanță în acest sens cu lucrările maeștrilor Italiei barocului.

Celebrul „Danae” (1636/1643) este tot strălucitor de lumină. „Răpirea Europei” (1632) și „Răpirea lui Ganymede” (1635) – de asemenea subiecte obișnuite ale picturii italiene – sunt complet transformate de Rembrandt prin introducerea, în primul caz, a peisajului olandez, în al doilea – un ironic. interpretarea legendarului tânăr frumos ca un copil cu o grimasă distorsionată a feței de groază.

Ca și în anii săi cu Lastman, imaginația creativă a lui Rembrandt solicită subiecte biblice cu iconografie relativ nedezvoltată. În Sărbătoarea lui Belșațar (1635), pe chipurile personajelor din imagine este scrisă o adevărată groază, impresia de anxietate este sporită de iluminarea dramatică a scenei. Nu mai puțin dinamic este „Sacrificiul lui Avraam” (1635) – un cuțit înghețat în aer conferă scenei imediata imaginii fotografice. O versiune ulterioară a acestei compoziții din München este un exemplu al cât de bine au fost copiate picturile lui Rembrandt de către ucenicii săi.

Rembrandt a dezvoltat, de asemenea, efectele luminii și umbrei în gravuri („Hristos înaintea lui Pilat”, 1636), care au fost adesea precedate de numeroase desene pregătitoare. De-a lungul vieții sale ulterioare, gravurile i-au adus lui Rembrandt nu mai puține venituri decât pictura în sine. Ca gravor, a fost remarcat în special pentru utilizarea vârfului uscat, a loviturilor dinamice și a tehnicilor de puf.

„Pazul de noapte”

În 1642, Rembrandt a primit o comisie pentru unul dintre cele șase portrete de grup ale muschetarilor din Amsterdam pentru noua clădire a Societății de împușcat; alte două comisii au mers elevilor săi. Când a creat acest tablou de patru metri - cea mai mare dintre lucrările sale - Rembrandt a rupt de canoanele portretului olandez, timp de două secole a prezis descoperirile artistice ale secolului al XIX-lea - epoca realismului și impresionismului. Modelele au fost înfățișate foarte direct, în mișcare, ceea ce nu i-a mulțumit deloc pe clienți, dintre care multe au fost împinse în fundal:

Creația monumentală a lui Rembrandt, care surprinde marșul brusc al unei companii de pușcași conduse de comandanții săi, este decisă de el ca o scenă de masă, pătrunsă de mișcarea unei mulțimi de personaje specifice și fără nume și construită pe un contrast pâlpâitor de pete de culoare puternic luminate. și zone umbrite. Aleatorietatea situației descrise pe pânză, care creează impresia de discordie și tensiune, este în același timp impregnată de solemnitate și entuziasm eroic, apropiindu-se în sunet de compoziția istorică.

O combinație atât de îndrăzneață a unui portret de grup cu amintiri de război ale Revoluției olandeze i-a speriat pe unii clienți. Biografii lui Rembrandt susțin în ce măsură eșecul The Night Watch (a fost tocmai o denumire atât de greșită pe care a primit-o ulterior tabloul, ascuns sub lac întunecat și funingine până la restaurarea anilor 1940) a influențat cariera ulterioară a artistului. După toate probabilitățile, legenda răspândită despre eșecul acestei lucrări nu are o bază serioasă. Versiunea de conspirație a poveștii Night Watch este prezentată în filmele regizorului britanic Peter Greenaway The Night Watch (2007) și Rembrandt. acuz!" (2008).

Oricare ar fi motivele pentru răcirea publicului din Amsterdam față de Rembrandt, rezultatul unei schimbări a gusturilor a fost estomparea faimei sale și sărăcirea treptată. După The Night Watch, doar câțiva studenți rămân în studioul lui Rembrandt. Foștii săi ucenici, după ce au împrumutat și dezvoltat orice caracteristică a timpurii Rembrandt, au devenit artiști de succes și mai căutați decât profesorul lor. Mai ales tipic în acest sens este Govert Flinck, care a stăpânit perfect bravura exterioară a picturilor dinamice Rembrandt din anii 1630. Leiden Gerard Dou, unul dintre primii studenți ai lui Rembrandt, a rămas sub influența esteticii lui Lastman a picturilor precum Alegoria muzicii în 1626 toată viața. Fabricius, care a lucrat în atelier în jurul anului 1640, a experimentat de bunăvoie perspectiva și a dezvoltat medii strălucitoare, care i-au adus un succes remarcabil în Delft.

Faptul că în decursul anilor 1640 clienții s-au întors de la Rembrandt și studenții au plecat a fost explicat nu atât de evaluarea ambiguă a Vegherii de Noapte, cât de îndreptarea generală a modei picturale către detaliile scrupuloase, la care Rembrandt însuși. a fost cel mai înclinat în primii săi ani. Logica dezvoltării creative l-a condus pe artist în direcția opusă. De-a lungul anilor, a început să prefere pensulele îndrăznețe și contrastele ascuțite de lumină și umbră, ascunzând aproape toate detaliile de fundal.

Perioadă de tranziție

Există puține informații despre viața privată a lui Rembrandt în anii 1640. Dintre discipolii acestei perioade, doar Nicholas Mas din Dordrecht este cunoscut. Aparent, artistul a continuat să trăiască în stil grandios, ca înainte. Familia regretatului Saskia și-a exprimat îngrijorarea cu privire la modul în care a dispărut de zestrea ei. Dădaca lui Titus, Gertje Dirks, l-a dat în judecată pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători; pentru a soluționa acest incident, artistul a trebuit să iasă.

La sfârșitul anilor 1640, Rembrandt s-a împrietenit cu tânărul său servitor Hendrickje Stoffels, a cărui imagine fulgeră în multe lucrări de portrete ale acestei perioade: Flora (1654), Femeia care face baie (1654), Hendrickje la fereastră (1655). Consiliul parohial l-a condamnat pe Hendrickje pentru „coabitare păcătoasă” când, în 1654, s-a născut împreună cu artistul fiica ei Cornelia. În acești ani, Rembrandt se îndepărtează de subiectele care au un sunet grandios național sau universal. Picturile din această perioadă sunt puține.

Portrete ale familiei Rembrandt

Autoportret (1640)

Saskia într-o pălărie roșie (1633/1634)

Titus într-o beretă roșie (1658)

Gert Dirks? (1644)

Hendrikje Stoffels (1655)

Artistul a lucrat multă vreme la portretele gravate ale burgmasterului Jan Six (1647) și ale altor burghezi influenți. Toate tehnicile și tehnicile de gravură cunoscute de el au fost folosite la fabricarea gravurii atent lucrate „Hristos vindecând bolnavii”, mai cunoscută sub numele de „Foaia de o sută de florin”, la un preț atât de mare pentru secolul al XVII-lea, încât a fost cândva. vândut. Peste această gravură, care lovește prin subtilitatea jocului de lumini și umbre, a lucrat timp de șapte ani, din 1643 până în 1649. În 1661 s-au continuat lucrările la gravura „Trei cruci” creată în 1653 (neterminată).

În anii de greutăți, atenția artistului este atrasă de peisaje cu nori încruntați, vânturi puternice și alte atribute de natură agitată romantic în tradiția lui Rubens și Segers. „Peisajul de iarnă” din 1646 aparține perlelor realismului lui Rembrandt. Cu toate acestea, punctul culminant al priceperii lui Rembrandt ca pictor peisagist nu au fost atât picturile, cât desenele și gravurile, cum ar fi Moara (1641) și Trei copaci (1643). El stăpânește și alte genuri noi pentru sine - natura moartă (cu vânat și carcase jupuite) și portretul ecvestru (deși, din toate punctele de vedere, Rembrandt nu a reușit niciodată la cai).

Scene ale vieții domestice cotidiene, precum cele două „Sfinte Familii” din 1645 și 1646, primesc o interpretare poetică în acești ani. Împreună cu Adorarea păstorilor (1646) și Odihna în fuga în Egipt (1647), ele ne permit să vorbim despre tendința lui Rembrandt de a idealiza modul patriarhal de viață de familie. Aceste lucrări sunt încălzite de sentimente calde de apropiere de familie, dragoste, compasiune. Chiaroscurul în ele atinge o bogăție fără precedent de nuanțe. Culoarea este deosebit de caldă, cu o predominanță de roșu strălucitor și maro auriu.

Răposatul Rembrandt

În 1653, întâmpinând dificultăți financiare, artistul și-a transferat aproape toată proprietatea fiului său Titus, după care a depus faliment în 1656. După vânzarea casei și proprietății în 1657-1658 (s-a păstrat un catalog interesant al colecției de artă Rembrandt), artistul s-a mutat la periferia Amsterdamului, în cartierul evreiesc, unde și-a petrecut restul vieții. Cel mai apropiat de el în acei ani, aparent, a rămas Titus; imaginile lui sunt cele mai numeroase. Pe unii, el apare ca un prinț dintr-un basm, pe alții - un înger țesut din razele soarelui. Moartea lui Titus în 1668 a fost una dintre ultimele lovituri ale destinului pentru artist; el însuși a plecat un an mai târziu.

O trăsătură distinctivă a lucrării lui Rembrandt din anii 1650 este claritatea și monumentalitatea compozițiilor cu figuri mari. Caracteristică în acest sens este lucrarea „Aristotel cu bustul lui Homer”, interpretată în 1653 pentru aristocratul sicilian Antonio Ruffo și vândută în 1961 de moștenitorii săi la o licitație la Muzeul Metropolitan de Artă pentru o sumă record de mai mult de două ori. un milion de dolari. Aristotel este cufundat în gândire profundă; lumina interioară pare să provină din chipul lui și din bustul lui Homer, pe care și-a pus mâna.

Dacă pe pânzele anilor 1650 numărul figurilor nu depășește niciodată trei, atunci în ultimul deceniu al vieții sale Rembrandt revine la crearea compozițiilor cu mai multe figuri. În două cazuri, acestea au fost comenzi mari și prestigioase. Tabloul eroic monumental „Conspirația lui Julius Civilis” (1661) a fost creat pentru noua primărie din Amsterdam, dar din anumite motive nu a satisfăcut clienții și nu a fost plătit. Un fragment al picturii, păstrat la Stockholm, lovește cu realism sever și sclipiri neașteptate de culori deschise pe fundalul întunericului din jur. Portretul de grup al lui Sindiki (1662), în ciuda naturaleței ipostazei, a vivacității expresiilor faciale și a coerenței soluției compoziționale, este un pas înapoi în comparație cu naturalismul fără compromisuri din The Night Watch. Dar toate cerințele clienților au fost îndeplinite.

Ultimele două decenii din viața lui Rembrandt au reprezentat punctul culminant al abilității sale de portretist. Modelele nu sunt doar camarazii artistului (Nicholas Breining, 1652; Gerard de Leresse, 1665; Jeremias de Dekker, 1666), ci și soldați necunoscuți, bătrâni și bătrâne - toți cei care, ca și autorul, au trecut prin ani de durere. încercări. Fețele și mâinile lor sunt iluminate cu o lumină spirituală interioară. Portretul ceremonial al lui Jan Six (1654), trăgând o mănușă, se remarcă printr-o armonie rară a culorilor, lățimea mișcării păstoase. Evoluția internă a artistului este transmisă printr-o serie de autoportrete, dezvăluind privitorului lumea experiențelor sale cele mai interioare. Serii de autoportrete este alăturată de un șir de imagini ale apostolilor înțelepți; adesea în fața apostolului se pot ghici trăsăturile artistului însuși.

bătrâni Rembrandt

Ultimele lucrări

Geniul artistic al lui Rembrandt s-a dezvoltat în ordine crescătoare. Cele mai recente lucrări ale sale reprezintă un fenomen unic în istoria picturii. Secretul culorilor lor lipicioase, ca și cum ar curge pe pânză, nu a fost încă dezvăluit. Figurile sunt monumentale și în mod deliberat apropiate de planul frontal al pânzei. Artistul se oprește asupra unor subiecte biblice rare, căutarea corespondențelor la care în Biblie este încă ocupată de cercetătorii operei sale. El este atras de astfel de momente ale vieții când experiențele umane se manifestă cu cea mai mare forță.

Tensiunea dramatică profundă este caracteristică unor lucrări precum „Artaxerxe, Haman și Estera” (1660) și „Lepădarea apostolului Petru” (1660). După tehnica de execuție, sunt în consonanță cu cele mai recente picturi, unite printr-o temă familială: Întoarcerea neterminată a fiului risipitor (1666/1669), un portret de familie din Braunschweig (1668/1669) etc. „Mireasa evreiască” (1665). Datarea tuturor acestor lucrări este condiționată, circumstanțele creării lor sunt înconjurate de mister. Cercetătorilor le este greu să găsească cuvinte pentru a descrie „culorile lor groase, irizate și mocnind într-o ceață aurie”, aplicate pe pânză cu o spatulă sau cuțit de paletă:

Nu există acțiune activă, personaje statice, reținute în exterior, uneori învăluite în strălucirea hainelor din brocart, ies din spațiul umbrit din jurul lor. Tonurile dominante auriu-maro închis subminează toate culorile, printre care un rol deosebit revine nuanțelor de roșu care arde din interior, precum cărbunii mocniți. Tunsele dense de relief, impregnate de mișcarea unei mase luminoase de vopsea, sunt combinate în zone umbrite cu glazuri transparente scrise într-un strat subțire. Textura suprafeței colorate a lucrărilor regretatului Rembrandt pare a fi o bijuterie strălucitoare. Umanitatea captivantă a imaginilor sale este marcată de pecetea frumuseții misterioase.

În autoportretul din Köln din 1662, trăsăturile autorului sunt distorsionate de un zâmbet amar, iar în ultimele autoportrete din 1669 (Galeria Uffizi, Galeria Națională din Londra și Mauritshuis), în ciuda slăbiciunii sale fizice vizibile, el calm. priveste soarta in fata.Rembrandt a murit la 4 octombrie 1669 la Amsterdam. A fost înmormântat la Westerkerk din Amsterdam. În total, în timpul vieții sale, Rembrandt a creat aproximativ 350 de picturi, peste 100 de desene și aproximativ 300 de gravuri. Realizările lui Rembrandt ca desenator nu sunt inferioare realizărilor sale în domeniul picturii; deosebit de apreciate sunt desenele sale de mai târziu, realizate cu un stilou de stuf.

Probleme de atribuire

Până nu demult, una dintre problemele insolubile pentru cercetătorul lucrării lui Rembrandt a fost numărul mare de copii și replici de pe pânzele sale, care din timpuri imemoriale erau ținute în cataloage sub numele său. Deci, de exemplu, există zece versiuni ale picturii „Iuda returnează treizeci de piese de argint”, care nu pot fi atribuite fără ambiguitate unui anumit artist.

În 1968, la Amsterdam a fost lansat proiectul de cercetare Rembrandt, cu scopul de a întocmi un registru verificat al lucrărilor lui Rembrandt folosind cele mai noi metode de atribuire. Catalogul final al proiectului, publicat în 2014, conține o listă de 346 de picturi, în timp ce la începutul secolului al XX-lea se credea că aproximativ 800 de picturi îi aparțineau lui Rembrandt. De exemplu, din 12 tablouri expuse în Colecția Wallace sub numele marelui artist, proiectul a confirmat mai întâi paternitatea lui Rembrandt a doar unul, deși ulterior numărul lor a crescut la cinci. În ceea ce privește picturile lui Rembrandt expuse în muzeele rusești, în Pușkin. Muzeul , conform catalogului, există doar trei lucrări ale lui Rembrandt, iar în Ermitaj - 14.

Elevi

Gerard Dou 1628-1632
Isaac de Jouderville 1629-1632
Jacob de Wet 1631-1632
Willem de Poorter 1631-1632
Govaert Flinck 1633-1637
Cornelis Brouwer în jurul anului 1634
Gerbrandt van den Eeckhout 1635-1641
Leendert van Beyeren 1636-1642
Ferdinand Bol 1636-1643
Jan Victors 1636-1640
Jacob van Dorsten 1640-1645
Samuel van Hoogstraeten 1640-1646
Abraham Furnerius 1640-1646
Reynier van Gherwen 1640-1646
Lambert Doomer 1640-1642
Carel Fabritius 1640-1644
Bernhard Keil 1641-1644
Christoph Paudiss 1642-1644
Johann Mayr 1642-1649
Barent Fabritius 1643-1646
Karel van der Pluym 1643-1646
Dirk Santvoort 1647-1648
Nicolae Mas (Nicolaes Maes) 1647-1651
Hendrick Heerschop 1649-1650
Constantijn van Renesse 1649-1653
Willem Drost 1650-1654
Johannes De Jonge Raven 1650-1651
Abraham van Dijck 1650-1651
Pieter de Wies (Pieter de With werkz.) 1650-1651
Heyman Dullaert 1652-1656
Johannes van Glabbeeck 1652-1656
Jacobus Levecq 1652-1655
Titus van Rijn 1654-1657
Johannes Leupenius 1660-1661
Art de Gelder 1661-1668
Gottfried Kneller 1668-1669
Anthonie van Borssom

Glorie postumă

Omenirii au avut nevoie de două secole pentru a aprecia pe deplin semnificația operei lui Rembrandt. Deși Giovanni Castiglione și Giovanni Battista Tiepolo s-au inspirat din gravurile sale, curajul lui Rembrandt ca pictor și acuratețea observațiilor sale ca desenator au câștigat recunoașterea pentru prima dată în secolul al XIX-lea, când artiștii școlii realiste din Courbet (și în Rusia). , The Wanderers) s-a opus poeziei sale profund resimțite de lumini și umbre, punând la îndoială claritatea și claritatea academicismului francez.

În urmă cu o sută de ani, Ermitajul Imperial se putea lăuda cu cea mai mare colecție de picturi Rembrandt, dar în secolul al XX-lea o parte din această colecție a fost vândută, unele picturi au fost transferate la Muzeul Pușkin, paternitatea altora a fost contestată. De-a lungul secolului al XX-lea, olandezii au cumpărat cu grijă picturile lui Rembrandt și le-au returnat în patria lor; Ca urmare a acestor eforturi, cel mai mare număr de picturi Rembrandt poate fi văzut acum în Amsterdam Rijksmuseum. Una dintre piețele centrale ale Amsterdamului, Botermarkt, în 1876 și-a primit numele modern Piața Rembrandt (olandeză. Rembrandtplein) în onoarea marelui artist. În centrul pieței se află un monument al lui Rembrandt. Din 1911, un muzeu funcționează și în Casa Artistului din Amsterdam, unde sunt expuse în principal gravuri. În 2009, un crater de pe planeta Mercur, unul dintre cele mai mari din sistemul solar, a primit numele artistului.

Angajații Rijksmuseum din Amsterdam au decis să aducă arta lui Rembrandt mai aproape de oameni. În aprilie 2013, au „reînviat” tabloul „Night Watch”, creând un întreg spectacol și și-au mutat acțiunea pe teritoriul unui mare centru comercial.

La 31 octombrie 2013, în orașul Yoshkar-Ola (Republica Mari El) a fost ridicat un monument de bronz al lui Rembrandt (sculptorul Andrey Kovalchuk).

La cinema

„Rembrandt” / Rembrandt - dir. Alexander Korda (Marea Britanie, 1936)
„Rembrandt: Portret 1669” / Rembrandt fecit 1669 - dir. Jos Stelling (Olanda, 1977)
„Rembrandt” / Rembrandt - dir. |Charles Matton (Germania, Franța, Țările de Jos, 1999)
„Night Watch” / Nightwatching - dir. Peter Greenaway (Marea Britanie, Franța, Canada, Germania, Polonia, 2007)
„Rembrandt. acuz!" / J'accuse al lui Rembrandt - dir. Peter Greenaway (Marea Britanie, 2008)

Categorii:

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Cel mai mare reprezentant al epocii de aur, artist, gravor, mare maestru al clarobscurului - și toate acestea într-un singur nume Rembrandt.

Rembrandt s-a născut la 15 iulie 1606 la Leiden. Acest mare artist olandez a reușit să întrupeze în lucrările sale întreaga gamă de experiențe umane cu o asemenea bogăție emoțională, pe care arta plastică nu a cunoscut-o înaintea lui.

Viaţă

A crescut într-o familie numeroasă a bogatului proprietar de moară Harmen Gerritszon van Rijn. Printre altele, proprietatea lui Van Rein mai avea două case, iar acesta a primit și o zestre însemnată de la soția sa Cornelia Neltier. Mama viitorului artist era fiica unui brutar și era versată în gătit.Chiar și după Revoluția olandeză, familia mamei a rămas fidelă religiei catolice.

La Leiden, Rembrandt a urmat școala de latină la universitate, dar nu i-au plăcut științele exacte, a arătat cel mai mare interes pentru pictură. Dându-și seama de acest fapt, părinții săi, la vârsta de 13 ani, l-au trimis pe Rembrandt să studieze arta plastică cu pictorul istoric din Leiden Jacob van Swanenbürch, care era catolic. Diverse ca gen și subiect, lucrările lui Rembrandt sunt impregnate de ideile de moralitate, frumusețea spirituală și demnitatea unei persoane obișnuite, înțelegerea complexității de neînțeles a lumii sale interioare, versatilitatea bogăției sale intelectuale, profunzimea experiențelor sale spirituale. Foarte puține informații au ajuns la noi despre Jacob, așa că istoricii și istoricii de artă nu pot spune cu siguranță despre influența lui Swanenbergh asupra modului creator al lui Rembrandt.

Apoi, în 1623, a studiat la Amsterdam cu pictorul la modă de atunci Pieter Lastman, după care, întorcându-se la Leiden, în 1625 și-a deschis propriul atelier împreună cu compatriotul Jan Lievens.

Pitera Lastman s-a format în Italia și s-a specializat în subiecte istorice, mitologice și biblice. Când Rembrandt a deschis un atelier și a început să recruteze studenți, a devenit considerabil celebru în scurt timp. Dacă te uiți la primele lucrări ale artistului, poți înțelege imediat că stilul lui Lastman - o pasiune pentru variație și meschinică de execuție, a avut un impact uriaș asupra tânărului artist. De exemplu, lucrarea sa „Lapidarea Sf. Stephen” (1629), „O scenă din istoria antică” (1626) și „Botezul unui eunuc” (1626), sunt foarte strălucitoare, neobișnuit de colorate, Rembrandt se străduiește să scrie cu atenție fiecare detaliu al lumii materiale. Aproape toate personajele apar în fața spectatorului îmbrăcată în ținute orientale fanteziste, strălucind de bijuterii, care creează o atmosferă de majoritate, splendoare, festivitate.

În 1628, artistul în vârstă de douăzeci și doi de ani a fost recunoscut drept un maestru „foarte faimos”, un celebru pictor portretist.

Tabloul „Iuda returnează bucățile de argint” (1629) a evocat o recenzie entuziastă din partea celebrului cunoscător al picturii Constantin Huygens, secretarul statului Frederick Hendrik de Orange: „... acest trup tremurând de tremur mizerabil este ceea ce prefer bunului gust. din toate timpurile."

Datorită legăturilor lui Constantin, Rembrandt dobândește în curând admiratori bogați de artă: din cauza medierii lui Haygens, Prințul de Orange comandă artistului mai multe lucrări religioase, precum Hristos înaintea lui Pilat (1636).

Adevăratul succes al artistei vine la Amsterdam. 8 iunie 1633 Rembrandt o întâlnește pe fiica unui burghez bogat Saskia van Uylenbürch și câștigă o poziție puternică în societate. Artistul a pictat majoritatea pânzelor în timp ce se afla în capitala Olandei.

Amsterdam - un port plin de viață și oraș industrial, care a atras mărfuri și curiozități din întreaga lume, unde oamenii s-au îmbogățit în tranzacții comerciale și bancare, unde proscrișii Europei feudale s-au repezit în căutarea unui adăpost și unde bunăstarea bogaților. burghezii au coexistat cu sărăcia deprimantă, leagă legături puternice cu artistul.

Perioada de la Amsterdam a operei lui Rembrandt a început cu succesul copleșitor pe care i l-a adus Lecția de anatomie a doctorului Tulp (1632, Haga, Mauritshuis), ceea ce a schimbat tradiția portretului de grup olandez. Rembrandt a pus în contrast demonstrația obișnuită a oamenilor de profesie generală care pozau pentru artist cu dramaturgia unei scene liber hotărâte, ai cărei participanți sunt membri ai breslei chirurgilor, ascultându-și colegul, uniți intelectual și spiritual prin implicarea activă în proces de cercetare științifică.

Rembrandt este inspirat de frumusețea iubitei sale, așa că adesea îi pictează portretele. La trei zile după nuntă, van Rijn a pictat o femeie cu o pălărie cu boruri largi în creion argintiu. Saskia a apărut în picturile olandezului într-un mediu de acasă confortabil. Imaginea acestei femei plinuțe apare pe multe pânze, de exemplu, fata misterioasă din tabloul „Night Watch” seamănă foarte mult cu iubita artistului.

Anii treizeci din viața lui Rembrandt au fost o perioadă de faimă, bogăție și fericire în familie. A primit multe comenzi, a fost înconjurat de studenți, purtat cu pasiune de colecții de lucrări ale pictorilor italieni, flamand și olandezi, sculpturi antice, minerale, plante marine, arme antice, obiecte de artă orientală; în lucrarea la picturi, exponatele colecției au servit artistului deseori drept recuzită.

Lucrările lui Rembrandt din această perioadă sunt extrem de variate; ele mărturisesc căutarea neobosită, uneori dureroasă, a unei înțelegeri artistice a esenței spirituale și sociale a omului și a naturii și demonstrează tendințe care, pas cu pas, îl aduc neobosit pe artist în conflict cu societatea.

În portrete „pentru el însuși” și autoportrete, artistul experimentează liber cu efecte de compoziție și clarobscur, schimbă tonul schemei de culori, își îmbracă modelele în haine fantastice sau exotice, variază ipostaze, gesturi, accesorii („Flora”, 1634). , Sankt Petersburg, Muzeul Ermitaj de Stat ).

În 1635 a fost pictat faimosul tablou bazat pe povestea biblică „Jertfa lui Avraam”, care a fost apreciat în societatea laică.

În 1642, van Rijn a primit o comisie de la Shooting Society pentru un portret de grup pentru a decora noua clădire cu pânză. Pictura a fost numită greșit „Night Watch”. A fost pătată de funingine și abia în secolul al XVII-lea, cercetătorii au ajuns la concluzia că acțiunea care se desfășoară pe pânză are loc în timpul zilei.

Rembrandt a descris cu atenție fiecare detaliu al mușchetarilor în mișcare: de parcă timpul s-ar fi oprit la un moment dat când miliția a părăsit curtea întunecată, astfel încât van Rijn i-a capturat pe pânză.

Clienților nu le-a plăcut că pictorul olandez s-a îndepărtat de canoanele care s-au dezvoltat în secolul al XVII-lea. Apoi portretele de grup au fost ceremoniale, iar participanții au fost înfățișați cu fața completă, fără nicio statică.

Potrivit oamenilor de știință, acest tablou a fost motivul falimentului artistului în 1653, deoarece a speriat potențialii clienți.

Schimbările tragice în soarta personală a lui Rembrandt (moartea copiilor nou-născuți, mamă, în 1642 - boala și moartea lui Saskia, care i-a lăsat un fiu de nouă luni, Titus), deteriorarea situației sale financiare din cauza sa. refuzul încăpățânat de a sacrifica libertatea spiritului și a creativității de dragul gusturilor schimbătoare ale burghezilor, a exacerbat și a scos la iveală conflictul care se coace treptat între artist și societate.

Informații despre viața privată a lui Rembrandt în anii 1640. s-a păstrat puțin în documente. Dintre discipolii acestei perioade, doar Nicholas Mas din Dordrecht este cunoscut. Aparent, artistul a continuat să trăiască în stil grandios, ca înainte. Familia regretatului Saskia și-a exprimat îngrijorarea cu privire la modul în care a dispărut de zestrea ei. Dădaca lui Titus, Gertje Dirks, l-a dat în judecată pentru că și-a încălcat promisiunea de a se căsători; pentru a soluționa acest incident, artistul a trebuit să iasă.

La sfârșitul anilor 1640, Rembrandt s-a împrietenit cu tânărul său servitor Hendrikje Stoffels, a cărui imagine fulgeră în multe lucrări de portrete ale acestei perioade: Flora (1654), Femeia care face baie (1654), Hendrickje la fereastră (1655)). Consiliul parohial l-a condamnat pe Hendrickje pentru „coabitare păcătoasă” când, în 1654, s-a născut împreună cu artistul fiica ei Cornelia. În acești ani, Rembrandt se îndepărtează de subiectele care au un sunet grandios național sau universal.

Artistul a lucrat multă vreme la portretele gravate ale burgmasterului Jan Six (1647) și ale altor burghezi influenți. Toate tehnicile și tehnicile de gravură cunoscute de el au fost folosite la fabricarea unei gravuri atent lucrate „Hristos vindecând bolnavii”, mai bine cunoscută sub numele de „Frunza a o sută de guldeni”, - a fost pentru un preț atât de mare pentru al 17-lea. secol în care a fost vândut cândva. Peste această gravură, care lovește prin subtilitatea jocului de lumini și umbre, a lucrat timp de șapte ani, din 1643 până în 1649.

În 1653, întâmpinând dificultăți financiare, artistul și-a transferat aproape toată proprietatea fiului său Titus, după care a declarat faliment în 1656. După vânzarea în 1657-58. casă și proprietate (s-a păstrat un catalog interesant al colecției de artă Rembrandt), artistul s-a mutat la periferia Amsterdamului, în cartierul evreiesc, unde și-a petrecut restul vieții.

Moartea lui Titus în 1668 a fost una dintre ultimele lovituri ale destinului pentru artist; el însuși a plecat un an mai târziu.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn a murit în octombrie 1669. Avea 63 de ani. Era bătrân, bolnav și sărac. Notarul nu a fost nevoit să petreacă mult timp întocmind un inventar al proprietății artistului. Inventarul a fost scurt: „trei tricouri uzate, opt batiste, zece berete, rechizite pentru pictură, o Biblie”.

Picturi

Întoarcerea fiului risipitor

Celebrul tablou „Întoarcerea fiului risipitor”, una dintre ultimele lucrări ale lui Rembrandt. A fost scrisă în anul morții sale și a devenit punctul culminant al talentului său.

Acesta este cel mai mare tablou de Rembrandt pe o temă religioasă. Pictură de Rembrandt despre intriga pildei din Noul Testament a fiului risipitor.

Pilda fiului risipitor se găsește în Evanghelia după Luca. Ea povestește despre un tânăr care a părăsit casa tatălui său și și-a risipit moștenirea. În lenevire, desfrânare și beție, și-a petrecut zilele până a ajuns într-o curte, unde a mâncat din același jgheab cu porcii. Aflat într-o situație disperată și sărăcie deplină, tânărul se întoarce la tatăl său, gata să devină ultimul său sclav. Dar, în loc de dispreț, el găsește o primire regală, în loc de mânie - dragoste paternă atot-iertător, profundă și duioasă.

1669. Rembrandt joacă o dramă umană în fața privitorului. Vopselele se află pe pânză în mișcări groase. Sunt întunecate. Artistului nu îi pasă de personajele minore, chiar dacă sunt multe. Atenția este din nou concentrată asupra tatălui și fiului. Bătrânul tată, cocoșat de durere, se află în fața privitorului. În această față există durere și ochi obosiți de plânsul lacrimilor și fericirea unei întâlniri mult așteptate. Fiul este cu spatele la noi. S-a îngropat ca un copil în ținuta regală a tatălui său. Nu știm ce exprimă chipul lui. Dar tocurile crăpate, craniul gol al vagabondului, ținuta săracă spun destul. Ca mâinile tatălui, strângând umerii tânărului. Prin liniștea acestor mâini, iertătoare și susținătoare, Rembrandt spune pentru ultima oară lumii o pildă universală despre bogăție, patimi și vicii, pocăință și iertare. „... Mă voi ridica, mă voi duce la tatăl meu și-i spun: Părinte! Am păcătuit împotriva cerului și înaintea ta și nu mai sunt vrednic să fiu numit fiul tău; acceptă-mă ca pe unul dintre angajații tăi. S-a ridicat și s-a dus la tatăl său. Și pe când era încă departe, tatăl său l-a văzut și i s-a făcut milă; și, alergând, a căzut pe gâtul lui și l-a sărutat.

Pe lângă tată și fiu, în imagine sunt reprezentate încă 4 personaje. Acestea sunt siluete întunecate care se disting cu greu pe un fundal întunecat, dar cine sunt ele rămâne un mister. Unii i-au numit „frații și surorile” protagonistului. Este caracteristic că Rembrandt evită conflictul: pilda vorbește despre gelozia unui fiu ascultător, iar armonia imaginii nu este ruptă în niciun fel.

Van Gogh spunea foarte exact despre Rembrandt: „Trebuie să mori de mai multe ori pentru a picta așa... Rembrandt pătrunde atât de adânc în mister, încât vorbește despre subiecte pentru care nu există cuvinte în nicio limbă. De aceea Rembrandt este numit: magicianul. Și acesta nu este un simplu meșteșug.”

Veghea de noapte

Numele cu care portretul de grup al lui Rembrandt „Discursul companiei de pușcași a căpitanului Frans Banning Cock și locotenentului Willem van Ruytenbürg”, scris în 1642, este cunoscut în mod tradițional.

Pânza maestrului olandez este plină de multe „surprize”. Să începem cu faptul că numele imaginii care ne este familiară nu corespunde realității: patrula înfățișată pe ea nu este de fapt deloc noaptea, dar cel mai mult că nici ziua. Doar că lucrarea lui Rembrandt a fost lăcuită de mai multe ori, din cauza cărora s-a întunecat foarte mult. În plus, timp de aproape 100 de ani (de la începutul secolului al XVIII-lea până la începutul secolului al XIX-lea), pânza a împodobit una dintre holurile Primăriei din Amsterdam, unde a atârnat chiar în fața șemineului, acoperită cu funingine an. după an. Nu este surprinzător că până la începutul secolului al XIX-lea, numele „Night Watch” s-a stabilit ferm în spatele picturii: până în acest moment, istoria creării sale a fost complet uitată și toată lumea era sigură că maestrul descrie întunericul. timpul zilei. Abia în 1947, în timpul restaurării de la Rijksmuseum din Amsterdam, unde se află pictura până în prezent, s-a dovedit că colorarea sa era incomparabil mai deschisă decât se credea în mod obișnuit. Mai mult, umbrele scurte aruncate de personaje indică faptul că acțiunea se desfășoară între prânz și ora două după-amiaza. Cu toate acestea, restauratorii nu au îndepărtat toate straturile de lac închis, temându-se să deterioreze vopseaua, așa că și acum Night Watch este mai degrabă amurg.

Numele real al pânzei este „Discurs al companiei de pușcă a căpitanului Frans Banning Cock și a locotenentului Wilhem van Reitenburg”. Acesta este un portret de grup de mușchetari-miliții dintr-unul dintre cartierele din Amsterdam. Din 1618 până în 1648, în Europa a avut loc Războiul de 30 de ani, iar locuitorii orașelor olandeze au luat armele pentru a-și apăra casele. Creația lui Rembrandt, împreună cu portretele altor companii de pușcași, trebuia să decoreze sala principală din Kloveniersdolen, sediul pușcarilor orașului. Clienții au fost însă dezamăgiți: Rembrandt nu a primit un portret formal monumental, ci o pictură de gen în care cu greu își găseau propriile fețe, adesea pe jumătate acoperite de alte personaje. Încă ar fi! La urma urmei, artistul, pe lângă cei 18 clienți (fiecare dintre care a așezat aproximativ 100 de guldeni de aur pentru portretul său - o sumă foarte impresionantă la acea vreme), a mai strâns pe pânză încă 16 oameni! Cine sunt ei nu se știe.

Muzeu – Muzeul de Istorie din Amsterdam?

trei cruci

Una dintre cele mai faimoase gravuri ale lui Rembrandt, are cinci stări. Semnat și datat doar al treilea, prin urmare, restul Rembrandt a considerat intermediar. A cincea condiție este foarte rară, fiind cunoscute doar cinci exemplare.

Gravura descrie momentul dramatic al morții lui Hristos pe crucea Calvarului, descris în evanghelii. În această gravură, Rembrandt, la o scară fără precedent, a folosit tehnica unui tăietor și a unui „ac uscat”, care a sporit contrastul imaginii.

Pe 2 decembrie 2008, această gravură (starea IV) a fost vândută la Christie's pentru 421.250 de lire sterline.

Pogorârea de pe Cruce

În 1814, Alexandru I a cumpărat Galeria Malmaison de la împărăteasa Josephine. Unele dintre picturi provin de la celebra galerie Kassel, inclusiv Descent from the Cross. Anterior, aceste pânze erau proprietatea doamnei de Ruwer din Delft și, împreună cu alte picturi din colecția ei, au fost cumpărate de landgravul de Hesse-Kassel Ludwig VII. În 1806, galeria sa a fost preluată de Napoleon și prezentată lui Josephine.

Succesorul landgravului de Hesse-Kassel Ludwig al VII-lea, un fost aliat al lui Alexandru I, a prezentat în 1815 împăratului o cerere de returnare a picturilor confiscate de Napoleon. Această cerere a fost respinsă cu hotărâre de Alexandru I, care a plătit bani pentru picturi și a arătat în orice mod posibil atenție față de Josephine și fiica ei Hortense. În 1829, Hortense, care la acea vreme purta titlul de ducesă de Saint-Leu, a cumpărat treizeci de tablouri de la Galeria Malmaison.
Tema „Coborârea de pe Cruce” a avut o mare tradiție iconografică în arta europeană. Cea mai mare realizare a ei a fost pictura de altar de Rubens din Catedrala din Anvers, cunoscută pe scară largă după gravura lui Worstermann.

Gândul creator al lui Rembrandt rătăcește undeva pe lângă această tradiție, folosind-o și în același timp alegând constant alte căi. Neobișnuite pentru dezvoltarea anterioară a artei europene, ele sunt foarte caracteristice modului creator personal al lui Rembrandt și nu degeaba Coborârea de pe cruce seamănă atât de mult cu Necredința apostolului Toma.
Rubens a descris durerea sublimă a unui grup de oameni maiestuoși și frumoși despre un erou maiestuos și frumos; Rembrandt scenă de noapte de masă agitată. Numeroase figuri fie se retrag în întuneric, fie cad într-o rază de lumină și se pare că mulțimea se mișcă, trăiește, se întristează pentru cel răstignit și se milă de mama lui. Nu există nimic ideal în înfățișarea oamenilor, mulți dintre ei sunt nepoliticoși, urâți. Sentimentele lor sunt foarte puternice, dar acestea sunt sentimentele oamenilor obișnuiți, neluminați de acel catharsis sublim care se află în pictura lui Rubens.

Hristos mort este un om ca ei; datorită puterii durerii lor, suferința și moartea lui capătă o semnificație deosebită. Cheia conținutului imaginii este, poate, nu atât Hristos, ci persoana care îl sprijină și își apasă obrazul de el.
Din punct de vedere artistic, compoziția fragmentată, agitată este inferioară celebrului tablou al lui Rubens, iar unele dintre lucrările lui Rembrandt însuși, realizate în aceiași ani. De exemplu, „Necredința apostolului Toma”, mai puțin semnificativă în conținut, pare în exterior mai armonioasă și holistică. Cu toate acestea, în Coborârea de pe cruce, înțelegerea inerentă a lui Rembrandt a temei Evangheliei biblice iese mai clar.

Opera tânărului Rembrandt diferă de prototipul său prin cele mai de bază caracteristici. În primul rând, nu a fost creat nici formal, nici în esență ca imagine de altar de rugăciune. Dimensiunea cabinetului său nu se adresează percepției mulțimii, ci experienței individuale. Acest apel la sentimentele și conștiința unei persoane, stabilirea unui contact spiritual strâns cu privitorul a forțat artistul să creeze un sistem complet nou de mijloace și tehnici artistice. Rembrandt a văzut scena legendei Evangheliei ca pe un eveniment real tragic, privând-o în esență de patos mistic și eroic.

Luptând pentru cea mai mare sinceritate și veridicitate a imaginii, Rembrandt a arătat lângă cruce o mulțime apropiată de oameni, șocați de durere, căutând unirea familiei unul cu celălalt în fața morții cumplite. Culoarea tonală maro-măsliniu a unit întreaga compoziție, iar fluxul de lumină și-a evidențiat dramatic principalul centru semantic. Cea mai mare profunzime a suferinței este întruchipată în chipul Maicii Domnului care a căzut inconștientă cu chipul ei subțire și slăbit de muncitor. Cel de-al doilea grup de îndoliați este situat la capătul stâng al diagonalei spațiale - femeile așează cu evlavie giulgiul, îndeplinindu-și datoria directă în raport cu defunctul. Trupul lăsat al lui Hristos susținut de bătrân - întruchiparea cărnii umane chinuite - trezește, în primul rând, un sentiment de profundă compasiune.

mireasă evreiască

Unul dintre ultimele și cele mai enigmatice picturi ale lui Rembrandt. Numele i-a fost dat în 1825 de către colecționarul din Amsterdam Van der Hop. El a crezut în mod eronat că înfățișa un tată dând fiicei sale evreiești un colier pentru nunta ei. Poate că acesta este un portret personalizat, dar hainele personajelor sunt în mod clar similare cu cele vechi, biblice, prin urmare, Artaxerxe și Estera, Iacov și Rahela, Avram și Sara, Boaz și Rut au fost sugerate ca nume.

Saskia ca Flora

Pictură de Rembrandt, pictată în 1634, care o înfățișează probabil pe soția artistului Saskia van Uylenbuch sub forma vechei zeițe italiene a florilor, înfloririi, primăverii și fructelor de câmp Flora.

În 1633, Saskia van Uylenbürch a devenit mireasa lui Rembrandt van Rijn. Un portret fermecător al tinerei Saskia îmbrăcată ca Flora este un martor mut, dar elocvent al acestui „sezon al primăverii și al iubirii” al genialului pictor.

Fața gânditoare, dar fără îndoială fericită a fetei este destul de în concordanță cu sentimentele miresei. Ea nu mai este un copil plin de frumusețe, care privește nepăsător la lumea lui Dumnezeu. Are o sarcină serioasă în față: a ales o nouă cale și trebuie să se răzgândească și să resimtă multe, multe lucruri înainte de a ajunge la maturitate. Coșca și bagheta împletite cu flori indică cu siguranță Flora, vechea zeiță romană a primăverii. Ținuta zeiței este scrisă cu o pricepere uimitoare, dar adevărata măreție a talentului lui Rembrandt se manifestă în expresia tandreței pe care artista i-a dat-o chipului.

Iubita soție a adus lumina fericirii și a mulțumirii sincere în locuința singuratică a modestului artist. Lui Rembrandt îi plăcea să o îmbrace pe Saskia în catifea, mătase și brocart, conform obiceiului de atunci, le împroșca cu diamante și perle, urmărind cu dragoste cum chipul ei drăguț și tânăr câștigă dintr-o ținută strălucitoare.

Muzeul - Schitul de Stat

Stil

Profund umanistă în esența sa și perfectă în forma sa artistică unică, opera lui Rembrandt a devenit unul dintre vârfurile dezvoltării civilizației umane. Diverse ca gen și subiect, lucrările lui Rembrandt sunt impregnate de ideile de moralitate, frumusețea spirituală și demnitatea unei persoane obișnuite, înțelegerea complexității de neînțeles a lumii sale interioare, versatilitatea bogăției sale intelectuale, profunzimea experiențelor sale spirituale. Ascunse în sine multe mistere nerezolvate, picturile, desenele și gravurile acestui artist remarcabil captivează prin caracteristicile psihologice perspicace ale personajelor, acceptarea filosofică a realității, justificarea convingătoare a deciziilor artistice neașteptate. Interpretarea sa a poveștilor din Biblie, mituri antice, legende antice și trecutul țării sale natale ca evenimente cu adevărat semnificative din istoria omului și a societății, a simțit profund ciocnirile vieții unor oameni anumiți au deschis calea unei interpretări libere și ambigue a tradiționalului. imagini și teme.

Iubește-l pe Rembrandt

Celebra muză a lui Rembrandt Saskia a fost fiica cea mică a primăriei orașului Leeuwarden. Această frumusețe cu pielea albă și cu părul roșu a crescut într-o familie mare și foarte bogată. Când fata avea 12 ani, mama familiei a murit. Dar fata tot nu știa nimic să refuze, iar când a venit momentul, a devenit o mireasă foarte de invidiat.

O întâlnire marcantă între artistă și domnișoară a avut loc în casa verișoarei fetei, artistul Hendricke van Uylenburg, care era și negustor de antichități. Rembrandt este literalmente îndrăgostit de o fată: piele luminoasă și delicată, păr auriu ... Adăugați la aceasta capacitatea de a conduce o conversație obișnuită. În glumă, ea a invitat un pictor celebru să-și picteze portretul. Și asta este tot ce are nevoie: Saskia este un model ideal pentru subiecții lui Rembrandt în tonuri întunecate și atenuate.

Rembrandt începe să picteze un portret. Se întâlnește cu Saskia nu numai la ședințe. Schimbându-și principiul, încearcă să facă plimbări și petreceri de plăcere. Când lucrarea la portret s-a terminat și au încetat întâlnirile dese, Rembrandt înțelege: acesta este cel cu care vrea să se căsătorească. În 1633, Saskia van Uylenburg a devenit mireasa artistului, iar pe 22 iulie 1634 a avut loc nunta mult așteptată.

Căsătoria cu Saskia deschide artistului calea către înalta societate. Tatăl burgmasterului i-a lăsat iubitei o moștenire colosală: 40.000 de florini. Chiar și cu o mică parte din această sumă a fost posibil să trăiești confortabil mulți, mulți ani.

Soții fericiți și iubitori au început să echipeze o casă comună. Curând a început să semene cu un muzeu. Pereții au fost decorați cu gravuri de Michelangelo și picturi de Rafael. Saskia a fost de acord cu totul, și-a iubit foarte mult soțul. Și el, la rândul său, a dus-o cu bijuterii, a plătit pentru cele mai rafinate toalete. Și, desigur, a încercat să surprindă imaginea lui preferată. Rembrandt, s-ar putea spune, a devenit un cronicar al vieții sale de familie. În primele zile ale lunii de miere a cuplului, a fost pictat faimosul „Autoportret cu Saskia în genunchi”.

În 1635, în familie s-a născut primul fiu, dar nu a trăit mult, iar aceasta a fost o lovitură teribilă pentru tânăra mamă.

Multă vreme nu a vrut să se despartă de trupul fiului ei, i-a alungat pe toți de la ea, fără a da drumul copilului mort. Nefericita mamă s-a plimbat cu el prin casă, adormindu-l și strigându-i toate numele tandre pe care ea și soțul ei obișnuiau să le spună Rembrantus în primele zile fericite.

Rembrandt era conștient că, cu excepția orelor petrecute la șevalet, nu putea locui decât lângă Saskia. Numai cu ea se simte bărbat: iubirea este sursa vieții și o iubește doar pe Saskia și pe nimeni altcineva.

După moartea lui Rembrantus, Saskia a mai pierdut doi copii la naștere. Doar al patrulea copil, Titus, care s-a născut în 1641, a reușit să supraviețuiască anilor grei ai copilăriei. Băiatul a fost numit după regretata Tizia, sora Saskiei.

Cu toate acestea, nașterea constantă a avut un efect negativ asupra sănătății lui Saskia. Apariția imaginilor pur peisagistice ale artistului la sfârșitul anilor 1630 se explică uneori prin faptul că la acea vreme, din cauza bolii soției sale, Rembrandt petrecea mult timp cu ea în afara orașului. În anii 1640, artistul scrie relativ puține portrete.

Saskia van Uylenburg a murit în 1642. Avea doar treizeci de ani. În sicriu, arăta ca o persoană vie...

În acest moment, Rembrandt lucra la faimosul tablou „Night Watch”.

Muzeul Casa Rembrandt

Muzeul de Artă de pe Jodenbreestraat din Cartierul Evreiesc din Amsterdam. Muzeul a fost deschis în 1911 într-o casă pe care Rembrandt a cumpărat-o la apogeul faimei sale în 1639 și a locuit până la falimentul său în 1656.

Timp de aproape 20 de ani de viață (din 1639 până în 1658) pe Jodenbrestraat, Rembrandt a reușit să creeze multe lucrări frumoase, să devină celebru, să adune o colecție unică de picturi și rarități din întreaga lume, să dobândească studenți, să risipească averea primei sale soții, își pierde principalii clienți, își face datorii uriașe și pune casa sub ciocan.

De asemenea, Rembrandt a trebuit să vândă o mare parte din colecția sa fastuoasă de picturi și antichități, inclusiv lucrări ale unor mari artiști europeni, busturi romane ale împăraților și chiar armuri de luptă japoneze, și să se mute într-o casă mai modestă. După ce a supraviețuit ambelor soții și chiar și propriului său fiu, Rembrandt a murit în sărăcie și singurătate.

Două secole și jumătate mai târziu, în 1911, din ordinul reginei Wilhelmina, casa a fost transformată într-un muzeu, care, spre deosebire, de exemplu, de Muzeul Van Gogh, este, în primul rând, nu o galerie de artă, ci cea restaurată. apartamente ale marelui artist: o bucătărie imensă la primul etaj, camera de recepție, dormitorul maestrului și dormitorul de oaspeți - la al doilea, cea mai mare cameră a conacului - garsoniera - la al treilea, iar la mansardă - atelierele elevilor săi.

A fost posibilă restaurarea interiorului cu ajutorul unui inventar al proprietății întocmit de un notar la vânzarea tuturor bunurilor artistului la licitație și a unor desene ale artistului însuși, pe care și-a afișat locuința.

Aici puteți vedea obiectele sale personale, mobilierul din secolul al XVII-lea și alte exponate interesante, cum ar fi o frumoasă mașină de gravat sau rarități de peste mări.

Muzeul expune aproape toate gravurile marelui Rembrandt - 250 din 280, autoportrete magnifice ale artistului, desene care îi înfățișează pe părinții, soția și fiul său Titus, priveliști minunate ale Amsterdamului și împrejurimilor sale.

Chiar și toaleta muzeului necesită o atenție deosebită: acolo puteți vedea desene de Rembrandt pe tema corespunzătoare: o femeie ghemuită în tufișuri și un bărbat în picioare într-o ipostază caracteristică acestei instituții.

Rembrandt - tot ce trebuie să știi despre celebrul artist olandez actualizat: 13 noiembrie 2017 de: site-ul web

Rembrandt veți afla fapte interesante din viața artistului olandez în acest articol.

Rembrandt fapte interesante

Rembrandt Harmenszoon van Rijn s-a născut în familia unui proprietar bogat de moară. Membrii familiei au continuat să fie catolici zeloși chiar și după Revoluția olandeză, după care protestantismul a dominat țara.

Succesul artistului a adus pictura " Lecția de anatomie a Dr. Tulip”, scrisă în 1632.

Pe valul succesului, Rembrandt s-a căsătorit în 1634 cu fiica primarului de Lauverden, Saskia van Uilenbürch. O căsătorie profitabilă a permis artistului să intre în cercurile înaltei societăți. Rembrandt tocmai a plouat ordine. Saskia însăși a pozat adesea pentru soțul ei pentru multe tablouri.

Cei trei copii ai lui Rembrandt au murit foarte tineri. În 1641 s-a născut un al patrulea copil, un fiu Cornelius. Saskia a murit un an mai târziu, la vârsta de treizeci de ani.

Saskia și-a lăsat toate averile soțului ei, dar cu o singură condiție - el va primi venituri din moșie doar până se va căsători. Rembrandt nu s-a căsătorit niciodată, dar acest lucru nu l-a împiedicat să aibă amante, dintre care una era dădaca în vârstă de 20 de ani a micuțului Titus.

Deși Rembrandt a primit o moștenire decentă și a pictat constant portrete ale oamenilor bogați, artistul a devenit falimentar.

Ultima lovitură puternică pentru pictor a fost moartea fiului de 27 de ani. Moartea i-a venit artistului însuși un an mai târziu.

Rembrandt a scris într-un mod destul de original: pornind din fundal. Majoritatea artiștilor lucrează mai întâi pe primul plan sau acoperă întreaga pânză.

Una dintre primele inovații ale lui Rembrandt a fost zgârierea cu capătul ascuțit al mânerului periei pe vopsea umedă. Această tehnică a fost folosită în principal în portrete atunci când lucrați pe păr.

De-a lungul vieții, Rembrandt a scris 600 de tablouri, 300 de imprimeurişi vreo două mii de desene. Dintre acestea, aproximativ şaizeci sunt autoportrete.

Pentru a obține mai mulți bani pentru picturile sale, artistul a folosit diverse trucuri. Înmormântarea falsă a fost un instrument norocos. Soția și Titus au anunțat vecinii că marele maestru a murit. El însuși a plecat în acel moment la Anvers. Au ținut, așa cum era de așteptat, o înmormântare și chiar au coborât un sicriu gol în pământ. La mai puțin de o oră mai târziu, cumpărătorii au intrat în casa lui Rembrandt. O lună mai târziu, când s-a întors, a reușit să obțină o sumă considerabilă pentru picturi - o mie și jumătate sau doi guldeni.

Întotdeauna este greu să vorbești despre ceea ce iubești cu adevărat. Alegeți cu atenție cuvintele potrivite, rândurile de vorbire, nu știți de unde să începeți ... Prin urmare, voi începe cu o mică revelație: Rembrandt Harmenszoon van Rijn- artistul meu preferat și l-am cunoscut de foarte mult timp.

În copilărie – în Schit, cu poveștile profesorului-tată. În tinerețe - la lecțiile Teatrului de Artă din Moscova de la institut, cu tobogane vechi într-un public întunecat în serile lungi de decembrie. În tinerețe - în uimitor Amsterdam, râzând cu bucurie în razele apusului soarelui de august. Am citit deja sute de prelegeri despre Rembrandt, am făcut mai mult de o duzină de excursii, dar totuși există sentimentul că acum trebuie să te plonjezi în ceva necunoscut, imens, de neînțeles.

E ca și cum ai sări de pe un dig în apele mării, unde ai fost pentru prima dată. Nu știi dacă acolo este apa rece, câte pietre sunt în fund. Este anticiparea și îndoiala care îți face mâinile să tremure nervos. Există o singură modalitate de a învinge asta - sări dintr-un început de alergare, simțindu-ți inima bătând cu putere și cum, la un moment dat, întreaga lume din jurul tău este dusă undeva în depărtare, iar acum ești singur cu ceva complet nou... Ei bine , bine! Să sărim, să deschidem ochii și să vedem!

La 27 de ani, avea tot ce putea visa un artist. Faimă, faimă, bani, femeie iubită, sute de comenzi. A fost considerat cel mai bun portretist într-unul dintre cele mai bogate orașe ale vremii sale, în perla nordului Europei - Amsterdam.

Da, nu a existat niciodată un artist în lume capabil să creeze asta! Portretul trebuia să fie perfect, trebuia să înveselească toate neajunsurile unei persoane, dar Rembrandt gândea altfel. Portretele lui erau vii. Transmiteau caracter, era conflict în ei. În fața dumneavoastră este un fragment dintr-un portret al colectorului șef de taxe din provincia Olanda, Jan Wtenbogart.

Aproape întregul stat al republicii a trecut prin mâinile acestui om. Iar hainele lui - un guler aerat din dantelă, o haină lungă din blană de samur rusesc - mărturisesc clar starea lui. Acum doar uită-te la acei ochi. Vedeți tristețe în ei... Și pânza marelui predecesor al lui Rembrandt este imediat amintită -. Nu se uită oare apostolul la Hristos cu aceeași expresie când îl cheamă la el? Acest portret este povestea unui om foarte bogat, dar foarte nefericit, iar pictorul olandez l-a putut arăta într-un moment înghețat.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn și-a petrecut tot timpul liber studiind expresiile faciale. A stat ore în șir la oglindă și a făcut fețe, pe care apoi le-a transferat cu cărbune pe hârtie. Era important pentru el să prindă cele mai mici nuanțe de emoții.

Fața unei persoane, potrivit artistului, era o oglindă a sufletului, el și-a dat seama de asta cu mult înainte de Oscar Wilde cu „Portretul lui Dorian Gray”. Dar portretele nu sunt singurul lucru la care a excelat Rembrandt. Pânzele lui mari ne impresionează nu mai puțin. Jocul clarobscurului, pe care Caravaggio l-a dezvoltat atât de mult în pictura sa, capătă o amploare cu adevărat gigantică de la maestrul nostru.

Avea doar 28 de ani când și-a creat prima sa capodopera absolută. Acest tablou este „Coborârea de pe cruce”. Pur și simplu nu poți trece pe lângă acest tablou din Schit. Într-o clipă, artistul a reușit să înfățișeze întreaga esență a creștinismului, să spună una dintre cele mai mari povești umane cât mai sincer și emoționant, într-un mod pe care nimeni nu a făcut-o înainte sau după el.

Ierusalimul din fundal se scufundă în întuneric. Mântuitorul este mort. Îi vedem trupul fără viață în centrul imaginii. Acesta este momentul celei mai mari disperări, nimeni încă nu crede în înviere. Oamenii văd doar cadavrul unui bărbat pe care l-au iubit și l-au adorat ca zeu, iar Fecioara Maria leșină, pielea ei este palidă de moarte - tocmai și-a pierdut singurul fiu.

Există un detaliu pe această pânză care nu este imediat evident. Aceasta este iluminarea. Sursa de lumină este un felinar în mâinile băiatului, dar trupul lui Hristos și hainele apostolului care îl ține în brațe reflectă lumina ca o oglindă. Și tocmai prin lumină este spusă povestea adevărată aici, se dezvăluie sensul filozofic al tabloului.

Lumina unui felinar este lumina credinței, iar ceea ce vedem în imagine este o inițiere în misterul ei. Se simte că însuși trupul Mântuitorului devine aici sursa de lumină. Fața Maicii Domnului și giulgiul, luminate de lumina slabă a unei lumânări, ies în evidență din întuneric, în care ar trebui să fie înfășurat trupul lui Hristos. Pe această pânză, Rembrandt a aplicat mai întâi tehnica care în ultimii ani ai vieții a devenit principala în opera sa.

Și acum vedem cum o persoană care a stăpânit perfect tehnica scrisului a notat toate figurile centrale de pe pânză în cel mai mic detaliu, dar pe măsură ce s-au îndepărtat de lumină, fețele oamenilor au devenit din ce în ce mai neclare, aproape imposibil de distins. Totul este foarte simplu - misterul a ceea ce se întâmplă a trecut pe lângă ei.

Totuși, pe această pânză există un alt personaj care nu se observă la prima vedere. În ciuda faptului că se află în umbră, Rembrandt îl înfățișează foarte clar. În colțul din dreapta jos al pânzei, din cel mai întunecat loc, ascuns în spatele tulpinilor de ciulin, Diavolul în formă de câine se uită la tine și parcă îți pune o întrebare:

— Ești implicat în ceea ce se întâmplă?

Da, maestrul olandez a avut întotdeauna puțin spațiu pentru imagine, a visat că pânzele sale vor deveni parte din această lume, iar privitorul va deveni un participant direct la ceea ce se întâmplă. Dar tocmai această dorință l-a răsturnat de pe culmile gloriei în abisul secolelor de uitare.

Nenorocirea și uitarea vin la fel de repede ca averea și gloria. Rembrandt Harmenszoon van Rijn a experimentat această primă mână în 1642. Desigur, au existat nemulțumiri înainte de asta: copiii lui au murit în copilărie. Un singur fiu a supraviețuit, Titus, născut în 1641. Dar un an mai târziu, iubita lui soție Saskia, cu care a trăit mulți ani, a părăsit această lume. Iar odată cu această pierdere, și norocul s-a întors de la artist, s-a întors în momentul în care a realizat unul dintre cele mai mari tablouri ale sale.

Se poate vorbi la nesfârşit despre Veghea de noapte a lui Rembrandt. Această pânză este atât de mare în conținut, atât de unică în compoziția sa construită, încât istoria creării sale este destul de demnă de o carte separată, nu de un articol. Dar, așa cum se întâmplă adesea în viață, această creație, care ulterior a schimbat radical întreaga dezvoltare a picturii mondiale, a fost respinsă de contemporani.

Clienților nu le-a plăcut felul în care au fost reprezentați, iar mulți dintre ei au refuzat să plătească pentru opera artistului. Cel mai faimos pictor al Țărilor de Jos nu a experimentat niciodată o asemenea umilință. Într-un an, Rembrandt și-a pierdut iubita soție și a eșuat cu cea mai bună lucrare. S-ar părea că acest lucru este destul, dar nu, a fost doar începutul tragediei. Comenzile au devenit din ce în ce mai puține (clasicismul și stilul portretelor ceremoniale au intrat în modă), iar în curând proprietatea artistului a fost vândută pentru datorii. Dintr-un conac imens din chiar centrul Amsterdamului, a fost nevoit să se mute la marginea orașului, în Cartierul Evreiesc, unde a închiriat mai multe camere împreună cu fiul său iubit Titus.

Cel mai interesant lucru este că Rembrandt s-ar putea adapta cu ușurință la cele mai recente tendințe de modă în artă și ar putea primi din nou bani mari pentru pânzele sale. Însă pictorul era convins că trebuie să creeze un stil complet nou. În portretele sale acum nu erau oameni bogați, ci cei mai simpli cetățeni ai orașului Amsterdam. Acesta este, de exemplu, „Portretul unui evreu bătrân”.

Rembrandt nu a fost interesat de descrierea detaliată a tuturor articolelor de îmbrăcăminte, s-a străduit pentru mai multă abstractizare, s-a străduit să arate sentimentele personajelor sale cu o acuratețe perfectă. Pentru perseverența lui, a primit doar suferință și palme în față. Acest lucru s-a întâmplat cu pictura sa „Conspirația lui Julius Civilis”.

În loc de o imagine clasică, pompoasă, eliberată a patriotismului, bătrânul maestru a prezentat asta publicului.

În fața noastră este o imagine a unei sărbători barbare, nepoliticos, inestetic. Această pânză a fost cu aproape 300 de ani înaintea timpului său, anticipând pictura expresionistă. Nu este de mirare că capodopera maestrului a fost respinsă, iar numele său a fost acoperit de o rușine de neșters. Dar tocmai acești ultimi opt ani din viața lui, petrecuți într-o sărăcie absolută, de nepătruns, sunt una dintre cele mai fructuoase perioade din opera lui Rembrandt.

Cred că voi scrie despre picturile din acea perioadă, inclusiv ale lui Întoarcerea fiului risipitor, într-un articol separat. Acum vreau să vorbesc despre altceva. Am fost mereu uimit de cum a putut Rembrandt să lucreze și să-și dezvolte talentul atunci când loviturile destinului au plouat peste el de pretutindeni. Nu a putut continua așa mult timp, iar artistul a prevăzut-o.

Lovitura finală se aplică întotdeauna în locul cel mai dureros. Erau singurul fiu al lui Titus - un băiat foarte bolnav, asemănător cu mama lui moartă. Pe el l-a portretizat atunci cel mai des Rembrandt: atât sub forma unui înger în pictura „Matei și îngerul”, cât și în lectură și în diverse costume. Poate că pictorul s-a gândit că cu ajutorul talentului său va reuși cumva să întârzie inevitabilul... A eșuat...

După părerea mea, „Portretul lui Titus într-o sutană monahală” este unul dintre cele mai pline de suflet picturi ale lui Rembrandt. În ea s-a manifestat toată dragostea tatălui ei, tot talentul unui pictor. În toate aceste mișcări aspre, în acest întuneric care înainta pe tânărul din stânga, în plantele care îi înconjoară deja trupul, iese în evidență un singur lucru - chipul palid al fiului artistului cu ochii în jos și plini de smerenie.

Titus a murit în 1668, Rembrandt i-a supraviețuit doar un an.

Murea la periferia Amsterdamului, absolut singur, după ce a câștigat totul în această viață și a pierdut totul. Au uitat multă vreme de pânzele lui... Dar au trecut 150 de ani, iar alți artiști au auzit deja ceea ce maestrul încerca să le spună contemporanilor săi, alegându-și propriul drum unic în loc de faimă și bani.