Gustav Klimt e Schiele nel Museo Pushkin. Svapo indecente. “Snob” è andato alla mostra di Schiele e Klimt. Donne ed eredi di Klimt

La prima grande mostra in Russia delle opere di entrambi gli artisti espone circa 100 fogli della collezione del Museo Albertina (Vienna): 47 opere di Gustav Klimt e 49 di Egon Schiele

Museo Pushkin im. A. S. Pushkina
10 ottobre 2017 - 14 gennaio 2018
Galleria d'arte dall'Europa e dall'AmericaXIX–XX secoli

Oggi al Museo Pushkin. A. S. Pushkin inaugura una mostra di opere grafiche dei maggiori rappresentanti dell'arte austriaca dell'inizio del XX secolo, Gustav Klimt (1862–1918) ed Egon Schiele (1890–1918).

Le opere selezionate per la mostra appartengono a diversi periodi della creatività degli artisti e rappresentano diversi tipi di disegni: studi di figure associate a dipinti, ritratti, studi indipendenti di una modella femminile nuda, ecc. Utilizzando le tecniche grafiche tradizionali - gesso nero, matita di grafite, acquerello, tempera - gli artisti hanno risolto i nuovi problemi estetici che hanno dovuto affrontare a cavallo tra il XIX e il XX secolo.

Gustav Klimt, il principale rappresentante dell'Art Nouveau viennese, godeva della reputazione di fenomenale disegnatore che si assicurò un posto molto speciale non solo nell'arte austriaca ma anche in quella mondiale. I suoi disegni influenzarono il lavoro degli artisti più giovani, in particolare Egon Schiele, che iniziò la sua carriera in un momento in cui Klimt aveva già raggiunto l'apice della sua creatività. Avendo imparato l'esperienza del suo predecessore, Schiele acquisì molto presto il suo stile unico, che segnò il passaggio dall'Art Nouveau all'Espressionismo.

Opere di Gustav Klimt e Egon Schiele apparvero all'Albertina durante la vita dell'artista. Nel corso di cento anni, il numero dei disegni di Klimt nella collezione del museo raggiunse i 170, mentre quelli di Schiele i 140; a questi si aggiungono circa 40 fogli arrivati ​​all'Albertina per la conservazione a lungo termine.

I disegni di Klimt furono estremamente apprezzati dagli intenditori e dai collezionisti d'arte negli anni immediatamente precedenti e successivi alla sua morte (l'artista morì nel 1918). Con il passare del tempo Klimt disegnatore si ritrovò all’ombra di Klimt pittore, ma oggi lo studio del suo patrimonio grafico ha permesso di apprezzare appieno il ruolo del disegno nell’opera del maestro. Dopo la morte di Klimt, nel suo studio rimasero circa 2.500 disegni, ciò che lui stesso non vendette, regalò o distrusse. In totale, attualmente sono conosciuti più di 4.000 disegni dell'artista.

Una parte significativa dei disegni di Klimt è associata all’uno o all’altro dipinto del maestro. L'artista stesso non ha quasi mai espresso le sue idee creative, né verbalmente né per iscritto. Sono i disegni che ci permettono di comprendere il metodo del suo lavoro, il processo di creazione di un dipinto o di un dipinto. Klimt prestò grande attenzione agli studi preparatori per ogni figura nelle sue composizioni pittoriche a più figure. A volte apparivano intere serie dedicate allo stesso motivo o posa.

Un'ampia categoria di disegni in mostra è costituita da studi per ritratti femminili (ritratti di Serena Lederer, Paula Zuckerkandl, ecc.). In questi lavori preparatori, Klimt ha cercato di trovare una tale posa del modello e una tale composizione del ritratto nel suo insieme che esprimessero al meglio la personalità della persona ritratta attraverso il prisma della percezione dell’artista.

Klimt rivoluzionò la rappresentazione del nudo femminile. Nella sua schietta interpretazione dell'erotismo, nei disegni è andato molto più in là che nella pittura. Alcuni schizzi di questo tipo sono nati in connessione con il lavoro di Klimt sulle composizioni pittoriche, ma la maggior parte di essi sono di natura autonoma (“Nudo sdraiato”).

Lo stile grafico di Klimt ha subito cambiamenti nel corso della sua vita. I primi disegni dimostrano una formazione accademica approfondita; si distinguono per il dettaglio quasi fotografico. Ma già dimostrano quella che diventerà una costante nello stile grafico di Klimt: il primato del principio lineare, l’espressività del contorno, in cui la precisione si unisce alla sensualità. Una pagina a parte nell'eredità di Klimt è costituita dai disegni per la rivista “Ver Sacrum” (1898), costruiti sui contrasti del bianco e nero (“Capitale D”); possono essere considerati esempi standard di stile Art Nouveau nella grafica. Nel tempo, l'elemento di stilizzazione e geometrizzazione della forma si è intensificato nelle sue opere.

A partire dal 1897 circa, Klimt dipinse con gesso nero su fogli di carta velina marrone e successivamente, intorno al 1903-1904, iniziò a utilizzare carta giapponese più liscia in combinazione con una matita di grafite (“Seated Semi-Nude”). Linee dure e precise di grafite, le cui tracce hanno una leggera lucentezza metallica, determinano la natura dei disegni, che cronologicamente corrispondono allo “stile dorato” nella pittura (“Standing Nude, Pregnant”). Negli anni successivi (dopo il 1908 circa e soprattutto dopo il 1910), i disegni di Klimt mostrarono un cambiamento verso una maggiore libertà, scioltezza e linee “pittoresche”, che a volte divennero intermittenti e nervose, trasmettendo l'eccitazione interiore dell'artista (“In piedi con le mani abbassate” ).

Lo stile di disegno di Klimt, basato sull'espressività della linea di contorno, divenne un modello per Egon Schiele. L'esperienza della stilizzazione decorativa della natura, accumulata dall'Art Nouveau viennese, fu ripensata e applicata per risolvere nuovi problemi posti dall'estetica dell'espressionismo.

Lo stesso Schiele si considerava innanzitutto un pittore e voleva essere percepito come tale. Tuttavia, agli occhi di molti critici e amanti dell'arte, Schiele disegnatore spesso mette in ombra Schiele pittore. Linea e contorno giocano un ruolo così significativo nella pittura di Schiele che il disegno può essere considerato la base dei suoi dipinti. Ha lasciato circa 3.000 opere su carta: disegni, acquerelli, gouaches.

La mostra presenta i primi disegni di Schiele risalenti al 1906 (“Autoritratto”, “Busto di Voltaire”), che costituiscono un punto di partenza per valutare la rapida evoluzione che il suo lavoro subì negli anni successivi. Una serie di schizzi di cartoline (circa 1909) indica che a quel tempo l'artista aveva già padroneggiato lo stile della Secessione e delle Botteghe viennesi, che si distingueva per decoratività e stilizzazione geometrica; durante questo periodo fu fortemente influenzato da Gustav Klimt.

Ma a partire dalla seconda metà del 1909 Schiele si liberò gradualmente da quest’influenza; nel 1910 acquisì finalmente un proprio stile originale. La decoratività e l'eleganza sono sostituite dall'espressione e dall'intensità emotiva (“The Artist Max Oppenheimer”). Il contorno espressivo diventa il principale mezzo espressivo nei disegni di Schiele. Il passaggio dall’Art Nouveau all’Espressionismo fu segnato dalla negazione del “bello” nell’interpretazione dell’estetica idealistica; significava offuscare i confini tra il bello e il brutto. I limiti dell’arte si espandono; incorpora ciò che prima era considerato antiestetico (“Seated Woman”). Nei suoi acquerelli e gouaches, Schiele usa il colore per aumentare l'impatto emotivo dell'opera. In alcune opere del 1913 e del 1914 il tratto diventa spigoloso e “pungente”.

Negli anni successivi (1915-1917), nei disegni di Schiele si assiste ad una crescente tendenza al realismo, al trasferimento di volume e alla plasticità (“Nudo disteso a pancia in giù”). Nei disegni del 1918 viene coltivata una linea di contorno continua, che delinea l'intera figura contemporaneamente: un contorno netto, solo talvolta integrato in punti con ombreggiature sparse. Schiele raggiunge un'inconfondibile precisione delle linee, laconicismo ed economia dei mezzi visivi ("Nudo sdraiato con le gambe nascoste").

Nel periodo intorno al 1910-1911, Schiele dipingeva spesso e volentieri bambini: le loro immagini sono tra le prime opere espressionistiche di Schiele ("La ragazza con un vestito giallo ocra"). L'eredità di Schiele come disegnatore comprende molti ritratti; molto spesso si tratta di persone della sua “cerchia ristretta”.

Un fenomeno molto particolare nella storia dell’arte sono i numerosi autoritratti di Schiele. L'artista crea diverse immagini di se stesso, prova “maschere”, interpreta ruoli, fa facce; in alcuni autoritratti si raffigura nudo. Tutti questi sono simboli visivi della fragilità del proprio sé, che cade a pezzi in componenti incompatibili. Schiele attribuiva grande importanza ai gesti espressivi, alle pose e alle espressioni facciali: le sue (negli autoritratti) e quelle dei suoi personaggi. Il linguaggio del corpo di Schiele è inventato e messo in scena da lui stesso; le pose delle modelle non sono una manifestazione naturale di emozioni reali, ma sono dettate dall’artista (“Autoritratto nudo, smorfia”).

Una parte significativa delle opere su carta di Schiele è dedicata a modelle femminili, il più delle volte nude. Come Rodin e Klimt, dipingeva donne nel suo studio, osservandone il comportamento. Per Schiele non esistevano divieti nel rappresentare le donne. Tutti i tabù furono eliminati. L'estrema franchezza nell'interpretazione dei motivi erotici è stata elevata a principio estetico (“Nudo seduto”).

Le figure nei disegni di Schiele sono estrapolate dal contesto sociale e quotidiano, collocate nel campo astratto del foglio, dove non esistono punti di riferimento; i suoi personaggi esistono al di fuori del tempo e dello spazio.

Nell'eredità del disegnatore Schiele un posto molto speciale occupano i tredici acquerelli e disegni da lui realizzati durante la sua prigionia nella primavera del 1912, che visse come un offensivo attentato alla sua libertà; Di questi, in mostra sono esposti due fogli (“The Outer Door”, “My Path Lies Over the Abyss”), che hanno il carattere di autentica prova documentaria.

Vitaly Aleksandrovich Mishin, curatore della mostra: “Penso che per molti spettatori russi questa mostra sarà l'apertura di nuovi orizzonti estetici. Amplierà le solite idee sulla bellezza, sull'espressività e, forse, anche sui confini di ciò che è consentito nell'arte. Nel nostro Paese, a causa di diverse circostanze storiche, l'avanguardia parigina degli inizi del XX secolo è molto più conosciuta della vita artistica di Vienna “intorno al 1900”. Ciò vale anche per il disegno, nonostante sia Gustav Klimt che Egon Schiele siano da tempo riconosciuti come uno dei disegnatori più eccezionali della storia dell'arte. Ma per apprezzare il fascino puramente grafico e la potente energia di queste opere, bisogna vederle con i propri occhi: le riproduzioni nei libri e su Internet non trasmettono nemmeno una piccola frazione delle qualità artistiche insite nei disegni di questi grandi austriaci maestri. L'esposizione nelle sale del Museo Pushkin, basata sulla ricca collezione dell'Albertina, ci offrirà un'opportunità così rara, permettendoci di comprendere meglio l'evoluzione dell'opera di entrambi i maestri, il metodo artistico e il mondo estetico unico di ciascuno di essi."

Curatori del progetto: Vitaly Mishin (ricercatore capo presso il Dipartimento d'Arte dell'Europa e dell'America dei secoli XIX e XX del Museo statale di belle arti Pushkin) e Christoph Metzger (Museo Albertina, Vienna)

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Al Museo Pushkin dal nome. COME. Pushkin ha aperto una mostra di opere grafiche dei maggiori rappresentanti dell'arte austriaca dell'inizio del XX secolo, Gustav Klimt ed Egon Schiele. Saranno esposti circa 100 fogli della collezione del Museo Albertina (Vienna): 47 opere di Gustav Klimt e 49 di Egon Schiele.
Utilizzando le tecniche grafiche tradizionali - gesso nero, matita di grafite, acquerello, tempera - gli artisti hanno risolto i nuovi problemi estetici che hanno dovuto affrontare a cavallo tra il XIX e il XX secolo. "Hanno capito dove stava andando il mondo, questo è l'importante", ha detto all'inaugurazione Irina Antonova, presidente del Museo Pushkin.

La prima mostra “Capolavori del disegno” del Museo Albertina si tenne al Museo Pushkin nel 1973: presentava 3 disegni di Klimt e due di Schiele. Alcuni di loro, 44 ​​anni dopo, finirono di nuovo a Mosca. "Ci sono valori nella cultura con cui ogni generazione deve familiarizzare per formare un quadro completo del mondo. La mostra di disegni amplierà le solite idee sulla bellezza, sull'espressività e, forse, anche sui confini di ciò che è consentito nell'arte. Gustav Klimt ed Egon Schiele sono riconosciuti come uno dei disegnatori più eccezionali della storia dell'arte, bisogna vederli con i propri occhi: le riproduzioni nei libri e su Internet non trasmettono nemmeno una piccola parte di qualità artistiche In generale, 50 cm è la distanza che permette di conoscere veramente un'opera d'arte”, spiega Vitaly Mishin, curatore della mostra.

Gustav Klimt - disegnatore

Opere di Gustav Klimt e Egon Schiele apparvero all'Albertina durante la vita dell'artista. Nel corso di cento anni, il numero dei disegni di Klimt nella collezione del museo raggiunse i 170, mentre quelli di Schiele i 140.
I disegni di Klimt furono estremamente apprezzati dagli intenditori e dai collezionisti d'arte negli anni immediatamente precedenti e successivi alla sua morte. Una parte significativa dei disegni di Klimt è associata all'uno o all'altro dipinto del maestro: lui stesso non ha quasi mai espresso le sue idee creative né oralmente né per iscritto. Sono i disegni che ci permettono di comprendere il metodo del suo lavoro, il processo di creazione di un dipinto o di un dipinto.

Klimt rivoluzionò la rappresentazione del nudo femminile. Nella sua schietta interpretazione dell'erotismo nei disegni, è andato molto oltre che nella pittura. Alcuni studi di questo tipo sono sorti in connessione con il lavoro di Klimt sulle composizioni pittoriche, ma la maggior parte di essi sono di natura autonoma (“Nudo sdraiato”).
Una pagina a parte nell'eredità di Klimt è costituita dai disegni per la rivista “Ver Sacrum” (1898), costruiti sui contrasti del bianco e nero (“Capitale D”); possono essere considerati esempi standard di stile Art Nouveau nella grafica.

Egon Schiele – nudi scioccanti e autoritratti

Ma nel 1910 acquisì finalmente il suo stile originale. Negli anni successivi (1915-1917), nei disegni di Schiele si assiste ad una crescente tendenza al realismo, al trasferimento di volume e alla plasticità (“Nudo disteso a pancia in giù”). Nei disegni del 1918 viene coltivata una linea di contorno continua. Schiele raggiunge un'inconfondibile precisione delle linee, laconicismo ed economia dei mezzi visivi ("Nudo sdraiato con le gambe nascoste").

Modelle nude congelate in pose innaturali, donne incinte con le mani incrociate sulla pancia, amanti che si coccolano. IN Museo Puskin esposte le grafiche dei principali rappresentanti dell'arte austriaca dell'inizio del XX secolo: Gustav Klimt ed Egon Schiele. I loro disegni furono portati a Mosca da Vienna Albertina, dove sono apparse le prime opere degli artisti durante la loro vita. IN Museo Puskin gli spettatori potranno vedere quasi 100 fogli grafici: 47 di Klimt e 49 di Schiele.

Egon Schiele. "Coppia seduta", 1915

Gustav Klimt godeva della reputazione di fenomenale disegnatore, anche se col tempo si ritrovò all'ombra del pittore Klimt. Il disegno era per lui una necessità quotidiana. Inoltre, la sua grafica ha influenzato gli artisti più giovani, tra cui Egon Schiele. Lo stesso Schiele si considerava principalmente un pittore, ma allo stesso tempo realizzava disegni costantemente, istintivamente e rapidamente. In totale ha lasciato più di 3mila opere su carta.

Egon Schiele. "Contorcersi", 1918

arts-museum.ru / Museo Albertina, Vienna

“Klimt e Schiele sono una torta così calda che tutti vogliono mangiare a colazione. Il museo ha capito che le opere di due dei più grandi artisti del XX secolo, senza i quali è impossibile immaginare la storia dell'arte, dovrebbero essere esposte in Russia. Abbiamo fatto il primo passo per parlare di Klimt e Schiele. Ed era giusto iniziare a parlare dal disegno”, ha osservato il regista Museo Puskin Marina Loshak.

Egon Schiele. "Modello in rosso", 1914

arts-museum.ru / Museo Albertina, Vienna

Gustav Klimt ha rivoluzionato la rappresentazione del nudo femminile. Inoltre, nell'interpretazione dell'erotismo nei suoi disegni è andato molto oltre che nella pittura. Quanto a Schiele, le sue opere furono addirittura definite pornografiche. Per l'artista non c'erano divieti nel rappresentare il corpo femminile, che ha mostrato in modo estremamente franco. Nella primavera del 1912 Schiele fu addirittura condannato al carcere per pornografia. Mentre era in prigione, creò tredici acquerelli e disegni, un paio dei quali furono portati a Mosca.

Egon Schiele. “Autoritratto nudo, smorfia”, 1910

arts-museum.ru / Museo Albertina, Vienna

Per la mostra dei disegni di Gustav Klimt e Egon Schiele è vietato l'età di 18 anni. “Sapevamo che avremmo potuto trattare con un pubblico che avrebbe visto questo tipo di arte per la prima volta. Avevamo in mente alcune tensioni nella società. Pensiamo sempre a come non ferire i sentimenti di qualcuno: credente, nervoso o emotivo. E dovevamo, senza turbare coloro che contavano troppo sul puritanesimo, mostrare ciò senza il quale è impossibile mostrare l’arte di un artista solitario e sofferente che ha una percezione difficile della vita”, ha detto Marina Loshak.

Egon Schiele. "L'artista Max Oppenheimer", 1910

arts-museum.ru / Museo Albertina, Vienna

"Disegni di Klimt e Schiele da Albertina sono attesi in molti paesi. Nel prossimo futuro - in Inghilterra e in America. Sappiamo anche che le opere su carta non possono essere esposte alla luce né troppo spesso né troppo a lungo. E la riserva totale di tempo per la loro presenza pubblica non è illimitata. Tre mesi di questa riserva furono concessi a Mosca. E questo è un grande privilegio”, ha affermato il curatore del progetto Vitaly Mishin.

Mostra “Gustav Klimt. Egon Schiele. Disegni dal Museo Albertina (Vienna)" al Museo Pushkin durerà fino al 14 gennaio 2018.

Dalla collezione del Museo Albertina (Vienna). Il fondatore dell'Art Nouveau viennese, ammiratore delle donne, Gustav Klimt, e il suo allievo, predicatore dell'espressionismo austriaco, amante degli adolescenti, Egon Schiele - entrambi gli artisti hanno esplorato il corpo umano, la sua natura e bellezza. I contemporanei conservatori accusarono Klimt di eccessivo erotismo e Schille di distribuzione di pornografia. L'insegnante e lo studente morirono lo stesso anno, nel 1918, quando Klimt aveva 55 anni e Schiele 28. La mostra al Museo Pushkin durerà fino al 14 gennaio. "Gazeta.Ru" parla di artisti, delle loro abitudini, della vita e della morte.

Gustav Klimt. Morte e vita

Gustav Klimt

Klimt non sembrava affatto un artista: figura alta e potente, braccia forti, vestiti larghi: tutto il suo aspetto ruvido somigliava a un contadino. Originario del sobborgo viennese di Baumgarten, Gustav era il secondo di sette figli nella povera famiglia dell'artista-incisore, gioielliere Ernest Klimt e della musicista fallita Anna Klimt. Ha studiato alla Scuola d'Arte e Artigianato di Vienna presso il Museo Austriaco dell'Arte e dell'Industria, ha dipinto affreschi per i teatri di Reichenberg, Rijeka, Karlovy Vary; lavorò alla progettazione dell'edificio del Burgtheater e del Kunsthistorisches Museum. Membro onorario delle Università di Monaco e Vienna, fondatore e presidente della Secessione viennese.

Gustav Klimt. Vergine

Donne ed eredi di Klimt

Klimt amava le donne e non si sposò mai. Gli vengono attribuiti dai 3 ai 40 figli: dopo la morte dell'artista, 14 persone rivendicarono i diritti sull'eredità.

Il corpo femminile diventa non solo l’oggetto della passione dell’artista, ma anche il tema principale delle sue opere. Klimt aveva un grande senso della natura femminile e, con l'aiuto degli abiti, trasformava ogni donna in una bellezza. I suoi stili divennero una scoperta all'Esposizione di Venezia nel 1910. I contemporanei, dal canto loro, accusarono l'artista di provocazioni e di disprezzo per le norme morali:

secondo loro, Klimt ritraeva le donne in modo troppo erotico e franco.

Per 27 anni, la stilista Emilia Flege è rimasta la musa principale dell'artista: ha inventato modelli per i suoi abiti e lei, nonostante i rapporti di Klimt con altre donne, è stata con lui fino ai suoi ultimi giorni.

Gustav Klimt. Adele d'oro

Ritratto dell'amante di Klimt

Il ritratto della moglie di Ferdinand Bloch, con la quale Klimt ebbe una relazione, impiegò all'artista 4 anni per dipingerlo. Durante questo periodo ha realizzato più di 100 schizzi. Il dipinto "Adele d'oro", noto anche come "La Gioconda austriaca", divenne un capolavoro, ma il romanzo, nel frattempo, svanì. Nel 2006 il dipinto è stato acquistato da un imprenditore americano e fondatore della New Gallery di New York. Il prezzo del lotto era una cifra record per un'opera pittorica: 135 milioni di dollari. Nel 2015 è stato realizzato il film "Woman in Gold" su questo lavoro.

Gustav Klimt. Dipinti per l'università

Allegorie di Klimt

Nel 1884 Klimt iniziò un ampio lavoro sui dipinti per il soffitto dell'aula magna dell'edificio principale dell'Università di Vienna. 6 anni dopo, nel 1900, presentò al mondo dipinti allegorici di “facoltà”: “Filosofia”, “Medicina” e “Giurisprudenza”. Gli spettatori hanno risposto criticando l'artista per i suoi “temi pornografici”: le opere non sono mai apparse all'università, finendo dopo tutte le vicissitudini in una collezione privata. Nel 1945 i dipinti furono distrutti in un incendio nel castello Immerhof.

Gustav Klimt. Nuda verità

La verità di Klimt

Il dipinto “La nuda verità” divenne una sfida per la società della fine del XIX secolo. Una donna nuda dai capelli rossi è raffigurata a figura intera mentre tiene tra le mani uno specchio della verità, invitando gli spettatori, come intendeva l'artista, a guardarsi dentro. Sopra lo specchio c'è una citazione di un poeta tedesco: “Se non puoi accontentare tutti con le tue azioni e la tua arte, accontenta pochi. Piacere a molti è un male”.

Gustav Klimt. Bacio

HitlerKlimt

Adolf Hitler, che amava la pittura, una volta mostrò a Klimt le sue opere. L'artista ha reagito favorevolmente al lavoro del futuro Fuhrer, e successivamente questo incontro ha salvato i dipinti dell '"artista ebreo" dalla distruzione.

Egon Schiele. Autoritratto nudo, smorfia. 1910

Klimt e Schiele

Schiele incontrò Klimt all'età di 17 anni, mentre studiava all'Accademia di Belle Arti. Klimt si prendeva cura di uno studente che considerava “troppo talentuoso”: condivideva i suoi modelli, comprava e scambiava i suoi disegni. Egon idolatrava l'insegnante e all'inizio lo imitava. Ma se le opere di Klimt furono criticate perché troppo erotiche, a Schiele fu direttamente rimproverato di diffondere materiale pedopornografico. L'artista ha raffigurato adolescenti problematici con franchezza e dettagli provocatori.

comprese le ragazze che vissero a lungo nel suo laboratorio, così come la sorella minore Gerta, per la quale provò forti sentimenti già all'età di 16 anni.

La prima mostra di Schiele si tenne nel 1908 a Klosterneuburg (con la partecipazione di Klimt nel 1909, le opere dell'artista furono esposte insieme ai dipinti di Munch, Van Gogh e Matisse alla Galleria d'arte di Vienna); Oltre ai bambini, Schiele, appassionato delle idee del freudismo e dello studio della natura umana, amava disegnare se stesso. Sono noti i suoi numerosi autoritratti grotteschi caricaturali. L'artista ha prestato particolare attenzione alle mani e ai gesti, spesso taglienti, nervosi e sofisticati.

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Nel 1918, mentre la prima guerra mondiale volgeva al termine, una nuova minaccia incombeva sull’Europa: l’epidemia di influenza spagnola. Egon Schiele ne morì e nove mesi prima di polmonite. il suo maestro Gustav Klimt.

Due maestri lavorarono nella stessa città e nello stesso periodo, ma in direzioni diverse. Uno affrontava la tenerezza e la bellezza del corpo femminile, l'altro affrontava l'estetica del brutto e il tema della solitudine. Ma ognuno di loro ha sfidato la società conservatrice e ha lasciato un segno nella storia mondiale della pittura.

Insieme al Museo Pushkin. COME. Pushkin, che ha organizzato una mostra di 96 opere di Klimt e Schiele, la TASS parla del rapporto tra i due maestri, dei loro stili e disegni.

CLIMET: RICONOSCIMENTO E PERCORSO VERSO LA SECESSIONE

Klimt nacque nel 1862 alla periferia di Vienna, nella famiglia dell'incisore d'oro Ernst Klimt. Aveva due fratelli, divenuti poi anche artisti, e quattro sorelle. Fin dalla giovane età si trovò nel rigido quadro dell'accademismo: Klimt ricevette la sua prima e unica educazione artistica presso la Scuola di Arti e Mestieri di Vienna (Kunstgewerbeschule).

I suoi primi lavori non avevano nulla in comune con dipinti come Giuditta con la testa di Oloferne o Il bacio. Tuttavia, il suo talento e la sua diligenza lo resero famoso già all'età di 26 anni: nel 1888, l'imperatore d'Austria-Ungheria, Francesco Giuseppe I, assegnò all'artista la Croce d'oro per il progetto del Burgtheater di corte sulla Ringstrasse a Vienna.

Sei anni dopo, Klimt ricevette l'ordine di dipingere tre “dipinti di facoltà” per decorare l'edificio principale dell'Università statale di Vienna: “Filosofia”, “Medicina” e “Giurisprudenza”.

Queste opere, che non sono sopravvissute fino ai giorni nostri, segnarono il passaggio di Klimt dall'accademismo al modernismo. È vero che provocarono un grande scandalo: il pubblico li considerava apertamente erotici, se non addirittura pornografici, e l'università si rifiutò di esporre i dipinti tra le sue mura.

Mentre lavorava su di loro, Klimt fondò la "Secessione Viennese" - un'associazione di artisti viennesi che accettava persone che la pensavano allo stesso modo che lavoravano sia all'interno che all'esterno del quadro dei movimenti tradizionali.

"Nudo disteso" di Gustav Klimt

"Klimt l'ha fondata perché ha visto la necessità di creare un'organizzazione alternativa di artisti per presentare al pubblico viennese le conquiste dell'ultima arte austriaca", spiega Elena Korotkikh, ricercatrice presso il dipartimento d'arte dei paesi europei e americani del XIX e XX secolo al Museo Pushkin. COME. Puškin.

SCHIELE: GIOVINEZZA E CONOSCENZA CON IL MAESTRO

Proprio come Klimt, il giovane Egon Schiele frequentò la Kunstgewerbeschule. Lì mostrò i suoi disegni e fu inviato all'Accademia di Belle Arti di Vienna.

Fin dall'infanzia, Schiele si è opposto alla società, a cominciare dalla sua stessa classe a scuola.

"Ha cambiato scuola più volte, trovandosi un outsider. Ha avuto successo soprattutto nell'educazione fisica e nel disegno", osserva Korotkikh.

Nel 1909 abbandonò la scuola senza ricevere un'istruzione accademica completa.

È vero, il valore dell'educazione artistica non ufficiale di Schiele è superiore all'istruzione accademica: era patrocinato e protetto dallo stesso Gustav Klimt.

Si incontrarono nel 1907. A quel tempo Schiele aveva solo 17 anni e Klimt aveva già guadagnato fama mondiale. Nello stesso anno inizia a lavorare al film "Il bacio". Questo fu l'apice del "periodo d'oro".

Fu grazie a Klimt che i dipinti di Schiele apparvero nel 1908 in una mostra a Klosterneuburg e nel 1909 in una mostra d'arte internazionale a Vienna.

Klimt trasmise le sue conoscenze a Schiele e lo guidò. Ma il giovane artista aveva una sua visione speciale del mondo e della bellezza, una sua tecnica. E la sua vita era completamente diversa.

Disegni di Egon Schiele: “L’artista Max Oppenheimer” (1910), “Nudo disteso con le gambe nascoste” (1918), “Modella in rosso” (1914)

EROTICA E LIBERTÀ

Dalla collezione del Museo Albertina di Vienna nel Museo Pushkin. COME. Pushkin ha portato 47 opere di Klimt e 49 di Schiele. Per mostrare la loro relazione, sono stati intervallati disegni di periodi diversi.

Il rapporto tra i disegni è una diretta conseguenza del rapporto tra insegnante e studente. Secondo Elena Korotkikh, Klimt ha trasmesso a Schiele due idee principali.

La prima è un'interpretazione più schietta dell'erotismo.

"Klimt era interessato a esplorare la sessualità femminile, la rivelò e, in un certo senso, fu il primo a subire il colpo e Schiele [Oscar] Kokoschka seguì le sue orme", dice Korotkikh.

Allo stesso tempo, l’approccio di Klimt e Schiele all’erotismo stesso era completamente diverso. Klimt tratta l'erotismo con grande tenerezza.

"La sua natura femminile è molto attraente e la bellezza fisica è importante per Klimt", afferma un ricercatore del Museo Pushkin. COME. Puškin.

L'attenzione di Schiele è sull'estetica del brutto. In questo senso Klimt e Schiele sono completamente opposti.

La seconda idea è che l'artista non è obbligato a spiegare nulla e può fare quello che vuole e come vuole. Questo approccio è stato molto utile per Schiele come espressionista. E ne ha approfittato appieno.

SOLITUDINE E PROBLEMI CON LA LEGGE

Nelle opere di Schiele, a differenza di Klimt, oltre all'opposizione, è costantemente presente il motivo della solitudine. Molti dei disegni dell’artista non hanno alcuno sfondo; sono separati dall’ambiente.

L'artista dimostra una separazione dalla gravità, dalla realtà. Il motivo del bambino perduto, presente fin dall'inizio, il motivo dell'isolamento è per lui di fondamentale importanza. Lo spettatore non sa cosa sta succedendo intorno all'oggetto scelto dall'artista.

Nel 1912 Schiele scontò poco più di tre settimane di prigione. La corte ha ritenuto l'artista colpevole di aver messo i suoi disegni pornografici a disposizione di una ragazzina di 12 anni che si è presentata alla sua porta e ha chiesto aiuto.

Schiele e la sua compagna di sempre Valli Neuzil (ex modella di Gustav Klimt) la lasciarono per la notte, poi portarono la ragazza con loro a Vienna (lei disse che sua nonna viveva nella capitale). Nel frattempo il padre della ragazza ha contattato la polizia. Quando le forze dell’ordine arrivarono a casa dell’artista, trovarono in suo possesso dozzine di disegni erotici.

Schiele è stato rinchiuso in un centro di detenzione per aver distribuito materiale pornografico e molestato minori. Ma, fortunatamente, le accuse di seduzione e rapimento furono respinte durante il processo.

"Forse allora Schiele si è reso conto che avrebbe potuto affrontare gravi conseguenze. Era abituato a opporsi a tutti artisticamente, ma non si aspettava una simile svolta degli eventi", dice Elena Korotkikh.

Disegni di Egon Schiele

DISEGNI MA NON DIPINTI

Tra le opere presentate alla mostra di Mosca, quasi tutte e 96 sono disegni. Nonostante Gustav Klimt sia oggi conosciuto nel mondo come pittore, il suo talento come disegnatore è altrettanto enorme. Secondo la scrittrice Mariana Bisanz-Prakken, durante la vita di Klimt le sue opere su carta erano “spesso esposte solo come aggiunta decorativa ai suoi dipinti”, ma ora sono apprezzate molto di più.

Per quanto riguarda Schiele, l'artista stesso ha presentato i suoi disegni come opere d'arte indipendenti.

Come notato da Klaus Albrecht Schröder, direttore del Museo Albertina di Vienna, le opere su carta erano meno accessibili a un pubblico più ampio, il che garantiva agli artisti la libertà di scegliere i soggetti e interpretarli.

Non per niente i disegni di Klimt e soprattutto di Schiele suscitarono critiche e incomprensioni nel pubblico dell'inizio del XX secolo. Età consigliata per visitare la mostra al Museo Pushkin. COME. Pushkin - 18+ o a discrezione dei genitori.

I disegni di Klimt e Schiele non erano mai stati esposti in un volume così grande in Russia. Come ritiene il curatore della mostra Vitaly Mishin, "le riproduzioni nei libri e su Internet non trasmettono nemmeno una piccola parte delle qualità artistiche inerenti ai disegni di questi grandi maestri austriaci".

Abbiamo lavorato sul materiale

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Le riproduzioni dei dipinti sono state fornite dal Museo Pushkin. COME. Puškin.

Foto utilizzate nel materiale: Museo Albertina, Vienna, TASS Photo Chronicle (Roman Kanashchuk, Sergey Bobylev), Alexander Avilov/AGN "Moscow", adoc-photos/Corbis tramite Getty Images.